Японская позолоченная бронзовая корона

Японская позолоченная бронзовая корона


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Японская позолоченная бронзовая корона - История

БУШИ 仏 師 ЯПОНИИ = СКУЛЬПТОРЫ ЯПОНИИ
Кто создал в Японии статуи Будды?
Скульпторы, школы и мастерские
в японской буддийской скульптуре
АСУКА ЭРА, ТОРИ БУШИ, ШКОЛА ТОРИХА

КЛЮЧЕВЫЕ СЛОВА
Курацукури-бе 鞍 作 部
Курацукури 鞍 作 止 利
Шиба Тацуто 司 馬達 等
Тори 利
Тори Бусси 止 利 仏 師
Школа Тори 止 利 派
Школа Ториха 止 利 派
Тори Шики 止 利 式
Тори Йошики 止 利 様 式

  • Тори Бусси 止 利 仏 師, знаменитый бронзовый скульптор того периода. Бусси - это термин, обозначающий буддийского скульптора. См. Глоссарий.
  • Ториха 止 利 派 (Школа Тори) работа, приписываемая Тори Бусси или его ученикам.
  • Курацукури-но Тори 鞍 作 止 利. Другое имя Тори Бусси, поскольку Тори, как сообщается, был главой группы китайских мастеров, живших в Японии в то время, которые назывались Курацукури-бе 鞍 作 部. Согласно большинству источников, Тори был внуком китайского иммигранта по имени Шиба Тацуто 司 馬達 等 (также читается Шиба Татто), чей клан изначально делал седла для лошадей, искусство, требующее знания литья из металла и других ремесел. Другие источники говорят, что Тори родом из Кореи.
  • Тори Йошики 止 利 様 式 (Йошики, Юшики). Также написано Tori Shiki 止 利 式. Этот термин буквально означает «стиль Тори». Тори Бусси стал олицетворением искусства Японии раннего периода Аска, а статуи, сделанные его рукой или его учениками, обозначены как Тори Йошики или Тори Сики. Ученые-искусствоведы согласны с тем, что скульптура в стиле тори находилась под влиянием буддийского искусства северного и восточного китайских королевств Вэй (конец 4-6 вв.), Которое было передано Японии в значительной степени корейцами, спасавшимися от гражданской войны на Корейском полуострове. Основные стилистические элементы скульптуры периода Аска включают выраженную фронтальность (без учета сторон или оборотной стороны изображений), полумесяцы, повернутые вверх, миндалевидные глаза и симметрично расположенные складки на мантии. Стиль Тори находился под сильным влиянием этих художественных элементов, которые вошли в Японию вместе с иммигрантами из корейских королевств Пэкче (Jp. = Kudara 百 済) и Силла (Jp. = Shinra или Shiragi 新 羅). Тем не менее, работа Тори передает мягкость и душевный покой, несмотря на стандартные позы, геометрическую жесткость и несколько удлиненные черты лица и тела, характерные для этого периода.
  • Обратите внимание на корейское влияние. Большое количество корейцев бежало в Японию в VI и VII веках, спасаясь от непрекращающихся войн между тремя корейскими королевствами: Силла (яп. = Сираги 新 羅), Пэкче / Пэкче (Яп. = Кудара 百 済) и Когурё / Когурё (Яп. = Коури 高句麗). Эти иммигранты привезли с собой многочисленные буддийские изображения и тексты и сыграли важную роль в качестве буддийских ученых, учителей, скульпторов, ремесленников и архитекторов. Например, многие из самых ранних храмовых сооружений Японии были созданы корейскими мастерами. Щелкните здесь, чтобы узнать больше о корейском влиянии.

БОЛЬШАЯ РАБОТА ШКОЛЫ ТОРИ

  • Корейское влияние. За исключением изображений в стиле Тори того периода, другими важными предметами являются «сидящий бодхисаттва, наполовину склоненный к медитации» (Bosatsu Hankazō 菩薩 半 跏 像) в храме Тюгудзи 中 宮 寺, который был частью храма Хорю-дзи 法 隆 寺 (Hōryūji) в Нара. Статуи Мироку Босацу, в частности, были широко распространены в период Асука, и многие из них были воспроизведены с корейских моделей. Посетите страницу арт-фототура Asuka-Era, чтобы узнать больше о влиянии Кореи.


Мироку Босацу - Два взгляда на одну и ту же статую
7 век нашей эры, дерево, высота 87 см.
Храм Тюгудзи 中 宮 寺 (Тюгудзи) в Наре

    Кудара Каннон 百 済 観 音. Большинство ученых полагают, что эта знаменитая статуя пришла из Кореи или была сделана корейскими мастерами, живущими в Японии. Название статуи - Кудара Каннон 百 済 観 音 - буквально означает «Пэкче Каннон». Пэкче (Пэкче 百 済) был одним из трех королевств в Корее в этот период, а Каннон - одним из самых любимых буддийских божеств в Азии. Чрезвычайная худоба статуи поначалу кажется странной, но безмятежность на лице и красивая ажурная бронза на короне - изумительны. Ваза символизирует «нектар» Каннона и сострадание - она ​​утоляет жажду тех, кто молится Каннону о помощи. Есть много указаний на то, что статуя пришла из Кореи (или была сделана корейскими мастерами в Японии). Превосходное качество изготовления изделия, а также многие стилистические нюансы (слабая улыбка, стройное лицо, тонкое тело, складки на одежде, нимб) - все это отличительные черты мастеров пэкче и в целом соответствуют произведениям искусства из Кореи и периода Троецарствия. В книге Влияние Кореи на японскую культуру (Корея: Hollym International Corp., 1984), авторы Джон Картер Ковелл и Алан Ковелл говорят, что главным признаком влияния Пэкче является узор жимолости и лотоса короны, который также можно найти среди артефактов, обнаруженных в гробнице Пэкче. 39-е годы король Муньонг (годы правления + 501-523). Они говорят, что скручивание лоз, плюс количество выступов на лепестках короны, почти идентичны аналогичным сохранившимся корейским образцам.

    Плотники в период Аски
    Текст ниже любезно предоставлен TIME MAGAZINE, 16 февраля 2004 г.
    Из 202 буддийских святилищ в районе Тэннодзи в Осаке выделяется одно: Ситэнно-дзи 四 天王寺 (Ситэн-одзи), первый японский храм, построенный по заказу короля (принца Сётоку), и один из старейших буддийских комплексов в Японии. Строительство началось в + 593 году, всего через десятилетия после того, как религия достигла берегов страны. Один из плотников Ситэннодзи, Сигэмицу Конго, приехал в Японию из корейского королевства Пэкче (Jp. = Kudara 百 済) для проекта. За полтора тысячелетия Ситэннодзи был разрушен тайфунами и сожжен дотла от молний и гражданской войны - потомки Сигэмицу наблюдали за его семью реконструкциями. Сегодня Kongo Gumi Co. управляется 54-летним президентом Масакадзу Конго, 40-м Конго, который возглавил компанию в Японии. Его бизнес, основанный более 1410 лет назад, считается старейшим семейным предприятием в мире. & заключительная цитата из журнала Time & gt

  • ЯАН.Японская архитектура и система пользователей Art Net. Онлайн-база данных, посвященная истории японского искусства. Составленный покойной доктором Мэри Сосед Родитель, он очень подробно описывает буддийские и синтоистские божества и содержит более 8000 статей.
  • Доктор Габи Греве.См. Ее страницу о японском бусси. Габи-сан провела большую часть исследований и писательских работ от периода Эдо до современной эпохи. Она является постоянным автором сайта и поддерживает множество информативных веб-сайтов по темам от Haiku до Daruma. Большое спасибо Габи-сан.
    Хейбонша, Скульптура периода Камакура. Автор Хисаши Мори, из Обзора японского искусства Хейбонша. Издано совместно Heibonsha (Токио) и John Weatherhill Inc. Книга, близкая моему сердцу, эта публикация посвящает много времени художникам, создавшим скульптурные сокровища эпохи Камакура, включая Ункей, Танкей, Кокей, Кайкей и многих других. Настоятельно рекомендуется. 1-е издание 1974 г. ISBN 0-8348-1017-4. Купить на Amazon.

ЯПОНСКИЕ ВЕБ-САЙТЫ

Авторские права 1995 - 2012. Марк Шумахер. Отправить по электронной почте Марка.
Все рассказы и фотографии, если не указано иное, принадлежат Шумахеру.
www.onmarkproductions.com | Сделать пожертвование

Пожалуйста, не копируйте эти страницы или фотографии в Википедию или где-либо еще без надлежащего цитирования!


Лорд Ганеша - Кангитен в Японии.

Ганеша или Канги-тен (歓 喜 天) - бог в школах Сингон и Тэндай японского буддизма. Легенды о Сошин Канги-тен (мужчина и # 038 обнятая форма женщины), Злого Винаяка, Сарасвати (Бензайтен), Бишамонтен (Кубера) и т. Д.
Он является японской буддийской формой Ганеша, которого также иногда отождествляют с бодхисаттвой. Авалокитешвара (тот, кто слушает крики живых существ, нуждающихся в помощи).
Кангитен также известен как Канки-тен (десять означает Бог или Дэва), Шо-тен (聖 天, & # 8216священный бог& # 8216 или & # 8216благородный бог & # 8217), Дайсё-тэн (& # 8216великий благородный бог& # 8216), Дайсё Канги-тен (大聖 歓 喜 天), Тенсон (天尊, & # 8216почтенный бог& # 8216), Канги Дзидзай-тен (歓 喜 自在 天), Сёдэн-сама, Винаяка-тен или Бинаяка-тен (毘 那夜 迦 天), Ганапатей (誐 那 缽 底) и Зоби-тен (象鼻 天) .
Говорят, что Ганеша или Винаяка всегда рядом. Турия (तुरीय) Стхити, что является 4-м и Блаженным состоянием ума.
Остальные 3 состояния - это бодрствующее сознание, сновидения и сон без сновидений, которые обычно являются обычными состояниями сознания, и Турия выходит за пределы этих трех состояний.
Это соответствует тому, что Кангитен Бог блаженства.
Также известен как Гатабачи или Ганапати (Ганапати - популярный эпитет Ганеши) и Ганва (Ганеша). Как и Ганеша, Бинаяка устраняет препятствия, но при умилостивлении он дарует материальные блага, процветание, успех и здоровье.

История кангитена в Японии

Кангитен впервые появился как второстепенное божество в японском буддийском пантеоне в восьмом-девятом веках нашей эры, возможно, под влиянием Кукая (774–835), основателя буддизма Сингон. Индуистская икона Ганеши отправилась в Китай, где была включена в буддизм, а затем отправилась в Японию.
Ранняя роль Кангитена в Сингоне, как и большинства других индуистских божеств, ассимилированных в буддизме, - это второстепенный хранитель двух мандал. Позже Кангитен превратился в бессон, независимое божество. Кангитен появляется в многочисленных японских путеводителях по бессонам, составленным в период Хэйан (794–1185). Хотя он включает ритуалы и иконографические формы, такие как ранние китайские тексты, он вводит мифы о происхождении божества, чтобы оправдать буддийскую природу индуистского Ганеши.
На ранних изображениях он изображен с двумя или шестью руками. Картины и изображения из позолоченной бронзы Двойного Кангитена с явным сексуальным подтекстом появились в конце периода Хэйан, под тантрическим влиянием тибетского буддизма, где такие сексуальные образы (Яб-Юм) были обычным явлением. Редкая японская сексуальная иконография была скрыта от глаз общественности в соответствии с конфуцианской этикой.
Кангитен теперь стал важным божеством в Шингоне.

Сошин Канги-тен (Двойной Кангитен) с мужской и женской формами вместе

Икона «Двойной кангитен» под названием «Сошин канги-тен» («бог блаженства с двойным телом») является уникальной чертой буддизма Сингон. Его еще называют Сошин Бинаяка на японском, Куан-Ши тен на китайском и Нандикешвара (Не Нанди) на санскрите.
представлены в виде пары самца и самки с головами слона, стоящих, обнимая друг друга.
Пол пары не является явным, но намекается в иконографии. Женщина носит корону, заплатанную монашескую мантию и красную накидку, а мужчина носит черную ткань через плечо. У него длинный хобот и бивни, а у нее короткие. Он красновато-коричневого цвета, а она белая. Обычно она ставит ноги ему на ноги, а он кладет голову ей на плечо.
Нет никаких конкретных свидетельств возникновения этой мужской + женской формы кангитена. Впервые он встречается в китайских текстах, связанных с китайским тантрическим буддизмом, в основе которого Будда Вайрочана и распространен тремя великими мастерами Шубхакарасимха, Ваджрабодхи, а также Амогхаваджра. В Дхаранишамуччья перевел на китайский монах Атигупта (Атикута) в 654 г. н.э. описывается ритуал поклонения Двойному Кангитену. Тот же ритуал был воспроизведен Амогхаваджрой (705–774 гг.) в его ритуальном тексте Дайшотен Канги Сошин Бинаяка хо. Амогхаваджра описывает Сошина Кангитена как дэва, который исполняет желания и трайаку, защитника от зла ​​и бедствий. В нем подробно описаны ритуалы и мантры, призванные завоевать благосклонность Парного Кангитена, а также шестирукого Шотена. В другом тексте Амогхаваджры Сошин Кангитен называется бодхисаттва.

Описаны ритуалы умиротворения Кангитена с целью обретения трех материальных благ: царства, процветания и достаточного количества пищи и одежды. В тексте особенно прописано вино, & # 8220вода блаженства& # 8221 как подношение Кангитену.
Ubhakarasiha (начало 8-го века) в тексте, предшествующем Амогхаваджре, но после датировки Атигупты, составленной в ок. 723-36, приравнивает Кангитена к Шиве и связывает индуистского царя Винаяку с Авалокитешварой (Каннон).
Двойной кангитен, возможно, также является изображением Ганеши с супругами в индуистской тантрии.

Легенда о злой Винаяке в Японии

Есть много японских буддийских канонов, повествующих о злой природе Винаяки. В Кангисошинкуйохо а также ранний китайский текст Субхакарасимхи описывает, что царь Винаяка (Бинаяка) был сыном Умы (хи) (Парвати, матери Ганеши) и Махешвары (Шивы), отца Ганеши. Ума производит 1500 детей по обе стороны от нее: слева - сонм злых Винаяков, возглавляемых Винаякой (Бинаякой), а справа - доброжелательные добродетельные воинства, возглавляемые проявлением Авалокитешвары - Сенанаяка (Повелитель армии [богов], идентифицированный с индуистским богом войны Сканда, брат Ганеши), противоположность Винаяки. Сенанаяка много раз рождался как старший брат (как в индуистской традиции) или жена Виньянака, чтобы победить его. Затем в тексте Субхакарасимхи говорится, что как жена Сенанаяка обнимает Винаяку, ведущую к иконе Двойного Кангитена. В японском пантеоне Кангитен считается братом Ида-тена, отождествляемого со Сканда.

Другая легенда гласит, что царь Маракейры ел только говядину и редис. Когда они стали редкостью, он начал питаться человеческими трупами и, наконец, живыми существами, превратившись в великого царя демонов Винаяку, который командовал армией винаяков. Люди молились Авалокитешваре, который принял форму женщины-винаяки и соблазнил Винаяку, наполнив его радостью (канги). Таким образом, он в союзе с ней стал Дуальным Кангитеном.

Кукодзэнсё рассказывает, что у Зайдзизая, супруги Махешвары, был сын по имени Шотен, который был изгнан с небес из-за своего злого и жестокого характера. Прекрасная богиня по имени Гундари (Кундали) приняла облик ужасной демоницы и вышла замуж за Шотена, что привело его к добрым путям. Другая легенда повествует, что Кангитен была злой дочерью Махашвары, изгнанной с небес. Она нашла убежище на горе Бинаяка и вышла замуж за другого мужчину-Бинаяку, в результате чего появилась иконка Двойной Кангитен.
Японские варианты легенды о Двойном Кангитене подчеркивают, что союз Винаяки (мужчины) и Вайнаяки (женщины) превращает злого создателя препятствий в преобразованную личность.
Идея, лежащая в основе этой истории, указывает на связь Ганеши с Кундали (Йогической Силой, которая пребывает в нашем теле).
Эта Кундали или Кундалини пребывает как безмолвная энергия в нашей Муладхара чакра (на нижнем конце позвоночника, ниже копчика) в виде слона, который во время сна сложил хобот.
Вот почему Ганеш (символический Бог) медитирует с его Мула-мантрой, чтобы пробудить Кундалини в Муладхаре.

Поклонение кангитену вместе с другими богами в Японии

Считается, что кангитен наделен большой силой. Кангитен считается защитником храмов и почитается игроками, актерами, гейшами и людьми, занятыми в бизнесе & # 8220.удовольствие& # 8220. В ритуальных текстах часто прописываются мантры, чтобы умилостивить божество и даже отогнать этого создателя препятствий. Рисовое вино (саке), редис и & # 8220bliss-buns & # 8221 (kangi-dan) подносятся богу.
Ходзан-дзи на вершине горы Икома - его самый важный и действующий храм. Хотя считается, что храм был основан в шестом веке, он привлек к себе всеобщее внимание в 17 веке, когда монах Танкай (1629–1716) сделал храм Гохондзон периода Хэйан позолоченной бронзовой статуей Двойника. Кангитен, центр притяжения. В эпоху Гэнроку (1688–1704) торговцы Осаки, особенно продавцы растительного масла, присоединились к культу Кангитэн, приписывая свой успех его поклонению.

Дайсё-ин или Дайзё-ин (大聖 院?) - это исторический храмовый комплекс Японии, где мы можем найти вместе Бензайтен (Сарасвати), Кангитен (Ганапати) и Бишамонтен (毘 沙門 天, Вайшравана или Кубера).


Японская позолоченная бронзовая корона - История

Лоренцо Гиберти (итальянец, 1378 и ndash1455). Группа Иакова и Исава, из Врата Парарда, 1425 & ndash52. Позолоченная бронза. Коллекция Museo dell’Opera del Duomo. Изображение предоставлено Opificio delle Pietre Dure, Флоренция.


ВСТУПЛЕНИЕ
Спустя более 25 лет консервация Лоренцо Гиберти Врата рая близится к завершению. Выставка "Врата рая": шедевр эпохи Возрождения Лоренцо Гиберти предоставляет беспрецедентную возможность увидеть три знаменитых сюжетных рельефа бронзовых дверей на темы Ветхого Завета, а также четыре дополнительные секции дверных коробок, прежде чем они будут навсегда установлены в Museo dell’Opera del Duomo во Флоренции. Он также раскрывает важные новые открытия, сделанные во время их реставрации, в том числе понимание процесса изготовления и эволюции изображений и методов Гиберти.

Созданный в середине 15 века и установленный в восточном портале Баптистерия, храм Врата рая многие поколения художников и искусствоведов хвалят их за убедительное изображение сцен из Ветхого Завета. Со временем трехтонные бронзовые двери семнадцати футов высотой стали иконой искусства эпохи Возрождения и пробным камнем гражданской и религиозной жизни Флоренции. На этой выставке представлены три панели из левой двери Врата рая, которые изображают истории Адама и Евы, Иакова и Исава, Давида и Голиафа. На выставке также представлены фигуры и головы пророков из дверного косяка, и она исследует эволюцию искусства во Флоренции и Сиене во время карьеры Гиберти с работами из постоянной коллекции Художественного института.


Вернуться наверх


В ВОРОТА РАЯ ПАНЕЛИ - СОДЕРЖАНИЕ И СТИЛЬ
В 1425 году Лоренцо Гиберти получил заказ на разработку второй пары бронзовых дверей для баптистерия Флоренции. Он трудился над этой задачей 27 лет, создав шедевр, который Микеланджело назвал «действительно достойным быть Воротами рая» за его удивительную красоту и величие. Панели предлагают зрителям целостное видение художественного гения Гиберти и его новаторского использования перспективы. Первоначально Врата рая должны были иметь 28 фигурных панелей, как и в более ранних наборах дверей баптистерия, но этот план был уменьшен до 10 панелей, на решение, вероятно, повлияло эстетическое суждение Гиберти.

В Адам и Ева Панель документирует самые ранние работы Гиберти над дверями и имеет великолепное изображение обнаженных фигур в пейзаже, созданном ангельскими хозяевами. Гиберти объединил четыре основных эпизода из истории Адама и Евы в эту гармоничную панель. Сотворение Адама, изображенное на переднем плане слева, показывает Адама в состоянии полусознания, поднимающегося в ответ на животворное прикосновение Бога. В центре, на глазах у ангелов, Бог формирует Еву из одного из ребер Адама. Искушение Адама и Евы змеем показано на заднем плане слева, а на правой стороне панели изображено изгнание пары из Эдема. Незначительные сдвиги в масштабе фигур усиливают отдельные эпизоды в истории Сотворения мира. Гиберти изменил масштаб и степень проекции ангелов, чтобы визуально разделить четыре сцены.

в Панель Иакова и ИсаваГиберти использовал новую систему линейной перспективы для построения повествования. Он расположил эпизоды рассказа вокруг точки схода, обрамленной центральной аркой лоджии эпохи Возрождения. Эта панель с ее почти трехмерными фигурами переднего плана, мастерским использованием научной перспективы и впечатляющей архитектурой показывает, что художник был в авангарде флорентийского иллюзионизма и повествования. На панели Иаков получает первородство своего старшего брата Исава и благословение их отца Исаака, таким образом становясь основателем израильтян. Ребекка рожает близнецов под галереей слева. На крыше в правом верхнем углу Гиберти изобразил, как она получает пророчество о будущем конфликте ее сыновей.

Обрамленный внутри центральной арки, Исав продает свои права первенца Иакову, который взамен предлагает своему голодному брату тарелку супа. В центре передней части панели Исаак отправляет Исава на охоту, а на правом переднем плане Иаков преклоняет колени перед слепым Исааком, который, чувствуя волосатую козью шкуру на спине Иакова, считает его Исавом и по ошибке дает ему благословение. старший сын.

В группа Дэвида, Гиберти проиллюстрировал победу молодого Давида над гигантским Голиафом. На переднем плане изображен Дэвид, который отрубает гиганту голову после того, как сбил его с ног. Выше этого эпизода царь Саул - четко обозначенный и возвышенный над сражающимися израильтянами и филистимлянами - ведет свои войска в бегство от врага. Расщелина в горах показывает, что Давид и его последователи с триумфом несут голову Голиафа в сторону Иерусалима.

ВЛИЯНИЕ ГИБЕРТИ
Гиберти установил новый подход к человеческой фигуре и перспективе во втором наборе дверей баптистерия, оказав большое влияние на его современников-художников. Бартоломео ди Джованни Сцены из жития Иоанна Крестителя из постоянной коллекции Художественного института демонстрирует сохраняющееся влияние повествовательного стиля Гиберти, как видно на Панель Иакова и Исава. Влияние Гиберти проявляется в открытом виде внутреннего пространства и дискретных группах фигур, распределенных по композиции, каждая из которых рассказывает свою часть истории.


СОЗДАНИЕ ВОРОТА РАЯ
В эпоху Возрождения бронза была намного дороже мрамора и вызвала значительные технические трудности в эпоху до промышленного литья. Гиберти создал Врата рая используя технику, известную как литье по выплавляемым моделям. Сделав рисунки и эскизные модели из глины или воска, он подготовил полномасштабные, подробные восковые изображения всех компонентов рельефов. (Некоторые ученые считают, что он моделировал свои рельефы непосредственно из воска, другие предполагают, что он сделал первоначальную модель из другого материала, а затем сделал непрямое восковое литье.) Когда Гиберти и его помощники закончили модель, они добавили восковые стержни в виде ветвящихся узоров. к его спине. Затем весь рельеф был покрыт огнестойким материалом, таким как глина, и нагрет до тех пор, пока воск не расплавился, оставив полую форму. Пространства, занятые стержнями, служили литниками (каналами), по которым бронза выходила на поверхность рельефа. Литники были отрезаны от рельефов после литья, но их остатки все еще видны на обратной стороне каждой панели.

Работа Гиберти была закончена только наполовину, когда он вынул бронзу из форм. Ему все еще нужно было завершить трудоемкую и утомительную работу по преследованию, то есть долбить, вырезать, надрезать и полировать рельефы. Используя свое образование ювелира, он направил своих многочисленных помощников на очистку и улучшение деталей на поверхности металла.

Гиберти использовал бронзовый сплав, который было несколько труднее лить, чем другие бронзы того периода, но который также был очень восприимчив к золочению. Он смешал золотую пыль с ртутью и нарисовал смесью лицевую поверхность каждого рельефа. Некоторые из его мазков все еще видны, но по большей части ему удалось создать гладкую светящуюся поверхность, напоминающую воздух и атмосферу. Чтобы золото приклеилось к бронзе, Гиберти нагрел каждый рельеф, чтобы сжечь ртуть, оставив на месте только золото. Это был токсичный и опасный процесс, который больше не используется.


ФИГУРКИ И ГОЛОВЫ ПРОРОКОВ
Повествовательные панели Врата рая обрамлены серией из 20 пророков в нишах, чередующихся с 24 выступающими головами. Стоящие фигуры, такие как Восстановленная фигура пророка в нише представляют ветхозаветных пророков, героинь и сивиллов, которым обычно приписывают предсказание рождения Христа. На головах также изображены пророки, как в Восстановленная голова пророка но включают портреты Гиберти и его сына Витторио, которые также продолжили семейную мастерскую после смерти своего отца. Элементы дверной коробки усиливают основные темы повествовательных панелей и служат еще одним примером художественной изобретательности Гиберти. На выставке показаны две головы и два пророка, снятые с косяка. Один комплект был очищен, другой - нет. Контраст между каждым набором намного лучше, чем слова, демонстрирует влияние консервации на восстановление ясности и детализации шедевра Гиберти.


СОХРАНЕНИЕ
Перед консервацией позолоченные поверхности Врата рая были покрыты обезображивающими и повреждающими корками, как видно на необработанных панелях, представленных на выставке. Трещины и царапины на золоте также позволяли загрязнителям просачиваться между позолотой и бронзой. В результате накопление влаги и солей за позолотой вызвало реакцию, которая заставила его пузыриться, что поставило под угрозу целостность всей поверхности.

Работы по консервации начались с того, что шесть рельефных панелей были выбиты из дверей, когда река Арно затопила Флоренцию 4 ноября 1966 года. Эти панели были погружены в раствор солей Рошель и дистиллированной воды, которая растворила все поверхностные корки. Впоследствии реставрация была распространена на оставшиеся рельефы, хотя потребовалось пять лет, чтобы вывести их из орнаментального каркаса. В конце концов, весь каркас был удален из баптистерия в 1990 году, когда современная копия Врата рая был установлен. С тех пор лазерная технология позволила ученым и реставраторам разработать новую революционную технику очистки оставшихся панелей, процесс, проиллюстрированный в видео, сопровождающем выставку.


Справочники по ранней Корее

Словарь корейского искусства и археологии
Родерик Уитфилд (главный редактор)
Холлим, 2004 г.

352 стр. 110 мм X 182 мм, мягкая обложка.
ISBN: 1-56591-201-2

Эта публикация направлена ​​на содействие более широкому пониманию корейской культуры и искусства среди иностранцев, интересующихся культурным наследием Кореи, а также на поддержку научных исследований путем предоставления английских определений и объяснений терминологии, используемой для культурных артефактов. 2824 словаря разделены на четыре основные категории: археология, архитектура, история искусства и фольклор. Они перечислены в корейском алфавитном порядке без классификации полей.

Ранний корейский проект, CGIS South Building Room S224, 1730 Cambridge Street, Cambridge, MA 02138.
Телефон: (617) 496-3403. Факс: (617) 495-9976.


Шаблон

  • 1-й. Центр Лотоса
  • 2-й. 6 драконов спиральный узор
  • 3-й. Образец диска
  • 4rh. Пальмы
  • 5-е. Пламя и башня

Лотос и 6 драконов

Зеркало и формат нимба

Пальмет

В древнем японском искусстве 7-8 веков часто используются пальмы, но это строгий и бесподобный узор. Хотя пальмы имеют эллинистическое происхождение, они могли прибыть прямо с Корейского полуострова. На фреске этой гробницы Когрио (Северная Корея) (ок. 600 г. н.э.) есть ближайшие пальмы. Это 1-я гробница Най-ли недалеко от Пхеньяна. Это больше похоже на многие китайские каменные пальмы с пещерным орнаментом.

Современный подобный ореол

Башня и Сутра Лотоса

Вверху 5-й полосы выгравирована башня / павильон с 3-мя полюсами. Есть еще один пример, в котором есть эта странная башня. Правый рис. Представляет собой бронзовую пластину с рельефами в храме Хаседера в Наре, Япония. Он был датирован 686 годом нашей эры. Высота 91см. Это сцена из 12-й главы Лотосовой Сутры (Суддхарма Пундхарика Сутра). Башня появилась из земли, и древний будда (который учил задолго до настоящего будды) любуется современным буддой с башни. Поскольку эта драматическая сцена очень популярна среди китайцев, было снято множество изображений башни.

Такая башня встречается и в пещере 6 пещеры Юнг Канг (5 век нашей эры). Этот рельеф идентичен бронзовой пластине. В период Нортен Вэй сохранилось много небольших позолоченных бронзовых изображений, на которых есть башня с изображениями Будды. В этих примерах я думаю, что изображение башни ореола должно быть башней в Lotus Sutra.

Пламя в ореоле

5-я полоса представляет собой сильный ритмичный узор пламени. Он нравится бывшему ореолу из позолоченной бронзы, но он острее.
Я показываю два образца пламени в Китае 5-6 века. Эта статуя из позолоченной бронзы (рис. 13) Ref. находился в Японии до 1987 года, сейчас находится в Тайбэйском национальном музее высотой 44 см. ок. 480-490 нашей эры. Один из типичных шедевров статуи Нотен Вэй из позолоченной бронзы. Этот узор оправы достаточно прочен, чтобы соответствовать деревянному нимбу, но его стиль отличается. Немного прямоугольной формы. Другая небольшая позолоченная бронзовая статуя (рис. 14) находится в Токийском национальном музее. Это статуя Авалокитисвары, датируемая 542 годом нашей эры. Династия Восточная Вэй. Этому завивающемуся образцу пламени нравится 5-я полоса. Это причина того, что 542 год нашей эры ближе к началу 7 века, когда должна была быть сделана статуя Хо-рю-дзи.

Значение узора Пламя Гало в V-VII вв.

Узор пламени часто встречается в ореолах буддийских изображений V-VIII веков в Китае. Ореол Хорю-дзи следует этой тенденции. Это изображение из позолоченной бронзы в Северной Вэй является типичным примером.

Они на самом деле означают огненное пламя? Странно, что священный образ горит. Действительно, божества, олицетворяющие ярость и мощь, имели ореол пламени огня после 8-го века, он значительный, но тихие и медитативные образы также присутствуют в огне.

Я хочу выдвинуть гипотезу. Я предполагаю, что это могло быть выбросом / взрывом энергии, который древние китайцы называли «Ки» и представляли в виде облачных узоров. До 3-го - 4-го века китайские древние божества часто сопровождали такое энергетическое облако. Например, эта картина на задней крышке бронзового сосуда для вина. На нем изображена священная птица в энергетическом облаке. Эта концепция заставила китайцев 5-8 веков естественным образом почувствовать, что изображения святых должны излучать энергетические вспышки.

Скульптура Гандара в музее Гиме в Париже извергает струи пламени вверх и воду вниз. Такая икона могла быть спусковым крючком для рисования узора обрамления в нимбе, но не поэтому она стала популярной у китайцев V-VIII веков. Более того, изображения пламени в ореоле редки в Индии.


НА ФОТОГРАФИЯХ: Мисс Вселенная на протяжении многих лет становится короной

В понедельник, 30 января, в торговом центре Mall of Asia Arena в Маниле очень удачливая женщина станет 65-й Мисс Вселенная. Она возьмет на себя работу, которую Мисс Вселенная 2015 Пиа Вуртцбах уверенно выполняла в прошлом году. Одно из преимуществ - возможность носить престижную корону «Мисс Вселенная».

Императорская брачная корона Романовых

С момента основания конкурса в 1952 году королевские королевы красоты носили 9 различных корон. Самая первая корона Мисс Вселенная была на самом деле королевской семьей. Императорская брачная корона Романовых, ранее принадлежавшая русскому царю, использовалась, когда победил Арми Куусела из Финляндии. Считается, что он сделан из примерно 1535 безупречных бриллиантов. По иронии судьбы, брачная корона использовалась в честь «мисс».

ПЕРВАЯ МИСС ВСЕЛЕННАЯ. Финляндия - Арми Куусела стала Мисс Вселенная 1952 года.

Фото из организации "Мисс Вселенная"

Металлическая бронзовая корона

МИСС ВСЕЛЕННАЯ, 1953. Франция, 27-е годы Кристиан Мартель позирует с судьей Джеффом Чендлером.

Фото из организации "Мисс Вселенная"

В следующем году корону «Мисс Вселенная» заменили на металлическую бронзовую. Француженка Кристиан Мартель стала Мисс Вселенная 1953 года и была единственной победительницей, которая когда-либо носила этот дизайн. It is probably the most unusual of all the crowns because it featured a very solid design and did not feature crystals or rhinestones unlike the other crowns.

Star of the Universe

Miriam Stevenson, Miss USA 1954, from South Carolina, was the first Miss USA to become Miss Universe. She was also the first titleholder to obtain a college degree while holding the title.

Photo from Miss Universe Organization

From 1954 to 1960, the design known as the Star of the Universe became the Miss Universe crown. It "consisted of approximately 1,000 Oriental cultured and black pearls set in solid gold and platinum," with a weight of 1.25 pounds. It is said to be valued at $500,000.

The rhinestone crown

MISS UNIVERSE 1961. Marlene Schmidt, the first Miss Universe from Germany, won her title in Miami Beach, Florida

Photo from Miss Universe Organization

MISS UNIVERSE 1962. Argentina's Norma Nolan poses for an official photo. Each Miss Universe will be featured in thousands of photos during her reign and will sign just as many autographs.

Photo from Miss Universe Organization

In 1961, the Miss Universe Organization wanted to have a special crown to commemorate its 10th anniversary. It was the first time that a rhinestone crown was introduced and Marlene Schmidt of Germany won. Marlene and her successor, Argentina's Norma Nolan, became the only two winners with the distinction of wearing the rhinestone crown.

The Sarah Coventry crown

MISS UNIVERSE 1963. Brazil's Ieda Maria Vargas takes her walk after winning the title.

Photo from Miss Universe Organization

The year 1963 ushered in the pageant's most famous crown – the one designed by renowned jewelry maker Sarah Coventry. Ieda Maria Vargas of Brazil, Miss Universe 1963, had the privilege of being the first winner to use this crown. The Philippines' Gloria Diaz, Miss Universe 1969, also wore this during her reign. The last winner to wear the Sarah Coventry crown was Miss Universe 2001, Denise Quiñones of Puerto Rico.

Many pageant fans were very upset upon finding out that the much-loved crown would be replaced. It ended the era of tradition and ushered in the crown sponsorship years and more frequent crown changes.

MUCH-LOVED CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones wearing the Sarah Coventry crown.

Photo from Miss Universe Organization

The Mikimoto Crown

Below is a photo of Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowning Miss Universe 2002 Oxana Federova. This picture clearly shows the two different crowns. It would be very rare to see this in future pageants because the outgoing queen no longer wears her crown during the crowning moment.

NEW CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowns 24-year-old Oxana Fedorova, of Russia, as Miss Universe 2002.

Photo from Miss Universe Organization

"The Miss Universe crown used from 2002–2007 was designed by Mikimoto, the official jewelry sponsor of the Miss Universe Organization, and depicted the phoenix rising, signifying status, power, and beauty. The crown has 500 diamonds of almost 30 carats (6.0 g), 120 South Sea and Akoya pearls, ranging in size from 3 to 18 mm diameter and is valued at $250,000. The Crown was designed specifically for the pageant on Mikimoto Pearl Island in Japan with the Mikimoto crown and tiara being first used for Miss Universe 2002. The crown has an accompaniment of a tiara which will be given to the winner after her reign."

Although the crown was very beautifully designed, some pageant fans were quick to speculate that switching to it brought bad luck. Several months after being crowned with the new Mikimoto crown, Federova became the first Miss Universe titleholder to be dethroned.


A brief guide to buttons

We often dismiss buttons as a clothing sideshow – the work horses of the accessories world. But early buttons were in fact more akin to jewellery than the modern-day fastenings we’re familiar with.

At 5,000 years old, an ornamental button made from shell, and found in Pakistan is currently considered to be the oldest button in existence. Other early buttons were made out of materials including bone, horn, bronze and wood.

Later, buttons took on more practical duties. In ancient Rome buttons were used to secure clothes, some having to support reams of fabric at a single point. But they were still a far cry from the slim, functional buttons you’re familiar with on your shirts and suits.

The Middle Ages: the invention of buttonholes

Image source: Shutterstock
Buttonholes didn’t make their first appearance until the 13th century

Buttons being used as clothing fasteners continued for centuries. But it wasn’t until the 13th century that proper buttonholes were being sewn into clothes, and with them, new possibilities for clothing arose.

Buttons with actual buttonholes rather than looser toggles meant that clothes could have a much more form-fitting shape.

For all their prominence, buttons were still largely the privilege of the wealthy during this period. In the medieval era, buttons meant serious wealth – for both the wearer and the maker.

Many buttons were made with precious metals and costly fabrics, and as Slate points out, this era was

a time when you could pay off a debt by plucking a precious button from your suit.”

Towards the Renaissance, some larger buttons took on additional functions they were used to hide keepsakes and stolen booty in small hidden chambers.

Индустриальная революция

Image source: Hugh McCormick Smith / Public domain
The inside of a busy button factory around the turn of the 19th century.

Of course, the less wealthy had buttons, too. These tended to be crudely made at home, until the Industrial Revolution, which ushered in the democratisation of buttons.

Around this time, the flat, four-holed button that we’re all familiar with emerged. Although the materials used have developed and the process refined since then it is still essentially the same button. This period also saw a rise in popularity for brass buttons on both military and civilian clothing.

The most popular buttons of the later half of the 19th century were made of black glass an imitation of Queen Victoria’s habit of wearing black buttons following the death of Prince Albert. With her loyal subjects adopting her style, black glass fasteners became the most widespread variety of the 19th century.

Modern Buttons

Image source: Grey Fox
Leather buttons – sometimes called “football buttons” after old-school leather footballs.

20th century designers and fashionistas flipped the original decorative use of buttons on its head: they became working accessories. Mass-production and materials like plastic made them prevalent, despite the invention of zipper.

That doesn’t mean modern buttons can’t still pack a decorative punch. Advances in technology mean that teddy bear-shaped buttons for children’s clothes can be as easily made as more conservative, stylish buttons for a suit.

Today, buttons are, once again, a good indicator of quality clothing. With more choice on the market, traditional buttons are making a resurgence. As Permanent Style notes:

“English tailors prefer matte, horn buttons… The natural materials are, of course, also associated with better suits.”

Another button-based sign of distinction is a jacket sleeve with working cuff buttons, as seen on our own classic tweed jacket.

There are even rules about buttons there’s a rule relating to the correct way to button a suit jacket, for example. Edward VII was a portly king who couldn’t close his jacket all the way and Real Men Real Style explains:

“…as a result always left the bottom button undone. His subjects (either out of respect or fear), followed suit. The trend of leaving the bottom button undone caught on.”

Buttons as symbols

While ornate buttons aren’t the sole preserve of kings and aristocrats any more, they still serve as symbols of rank on military dress. Military expert, Kelly Badge, points out:

“buttons are as varied as cap badges. Each unit has its own unique regimental button, often with a crest and sometimes a crown,”

Such buttons can have meaning well beyond power and status. During World War II, a British soldier encountered a 12-year-old Jewish boy and his family fleeing from the Nazis. He pulled a button off his greatcoat to give the boy and advised them to go south through France, rather than towards Dunkirk.

The family eventually made their way to America where the button now sits in the collection of the United States Holocaust Memorial Museum.

Buttons have proven to be firmly fastened to the fabric of human society – at least the past five thousand years of it. Even with the development of zippers, poppers and velcro, buttons are still the fastening of choice for people the world over.

If you’ve still got burning button questions, check out our buttons infographic!

So are you a button man, or do you prefer the simplicity of the zip? Do you have any old buttons knocking around – perhaps some historical military ones? Share them with us on our Facebook page.


The 6,000-year-old Crown found in Dead Sea Cave

The oldest known crown in the world, which was famously discovered in 1961 as part of the Nahal Mishmar Hoard, along with numerous other treasured artifacts, was recently revealed in New York University's Institute for the Study of the Ancient World as part of the 'Masters of Fire: Copper Age Art from Israel' exhibit.

The ancient crown dates back to the Copper Age between 4000–3500 BC, and is just one out of more than 400 artifacts that were recovered in a cave in the Judean Desert near the Dead Sea more than half a century ago. The crown is shaped like a thick ring and features vultures and doors protruding from the top. It is believed that it played a part in burial ceremonies for people of importance at the time.

New York University wrote: “An object of enormous power and prestige, the blackened, raggedly cast copper crown from the Nahal Mishmar Hoard greets the visitor to Masters of Fire. The enigmatic protuberances along its rim of vultures and building façades with squarish apertures, and its cylindrical shape, suggest links to the burial practices of the time.”

The Nahal Mishmar Hoard was found by archaeologist Pessah Bar-Adon hidden in a natural crevice and wrapped in a straw mat in a cave on the northern side of Nahal Mishmar, which became known as the ‘Cave of Treasures’. The 442 prized artifacts made from copper, bronze, ivory, and stone, include 240 mace heads, 100 sceptres, 5 crowns, powder horns, tools and weapons.

Some of the items from the Nahal Mishmar Hoard. Credit: John Bedell.

Carbon-14 dating of the reed mat in which the objects were wrapped suggests that it dates to at least 3500 B.C. It was in this period that the use of copper became widespread throughout the Levant, attesting to considerable technological developments that parallel major social advances in the region.

Some of these objects are like nothing ever seen anywhere else. The round knobs are usually said to be mace heads, but there is no evidence that any of them were ever used in combat. The remaining objects are even more unusual and unique in style, such as the bronze sceptre depicted below.

Bronze sceptre from the Nahal Mishmar Hoard. Displayed at the Hecht Museum in Haifa. Credit: John Bedell.

The objects in the Nahal Mishmar hoard appear to have been hurriedly collected, leading to the suggestions that the artifacts were the sacred treasures belonging to the abandoned Chalcolithic Temple of Ein Gedi, some twelve kilometres away, which may have been hidden in the cave during a time of emergency.

Chalcolithic Temple above modern Kibbutz Ein Gedi. Photo credit: Wikipedia

Daniel Master, Professor of Archaeology at Wheaton College and a member of the curatorial team, said: “The fascinating thing about this period is that a burst of innovation defined the technologies of the ancient world for thousands of years.”

Jennifer Chi, ISAW Exhibitions Director and Chief Curator, added: “To the modern eye, it's stunning to see how these groups of people, already mastering so many new social systems and technologies, still had the ability to create objects of enduring artistic interest.”

The purpose and origin of the hoard remains a mystery.

Featured image: The oldest crown in the world, found in the Nahal Mishmar Hoard. ( Wikimedia).


How to Tell Fake Bronze in Sculptures

Ancient bronze sculptures and statuary are often worth large sums of money -- and wherever there's money, there's crime. An industry of forgery has sprung up to take advantage of the profits that can be reaped from selling fake bronze statues. Often made of resin or less valuable metals, fake bronzes will usually be given an artificial patina, imitating the genuine effect of aging on the surface of the metal. If you know what to look for, however, you can usually tell a fake from the real deal simply by using your powers of observation.

Check the price tag. If the statue looks like a steal, it probably is -- but you're the victim. Suspiciously low prices are often an indicator of shifty business.

Examine the craftsmanship. Many imitation bronzes feature shoddy detail work and generally appear to be of secondary quality when looked at closely. If the artwork is subpar, the chances of the sculpture being a fake are significantly higher, not to mention the fact that you're probably being charged more than the item is worth.

Look at the patina on the surface of the statue. Bronze develops an uneven brown and greenish hue over time that is most noticeable on ancient works that have been excavated. Forgeries often try to mimic this, but usually the results are less than convincing. Many fakes give the skin of the subject a uniform brown coloring, with the clothing taking on a more green hue. No genuine bronze will look like that.

Tap the sculpture to see whether it is made of genuine metal. A resin imitation sounds noticeably different from a real bronze statue. If you're still unsure, hold a lit match to the surface of the statue for several seconds. A bronze will show no visible changes, but a resin will immediately begin to bubble, giving itself away.


Смотреть видео: Алмазная корона Все серии