Как работали японские кланы эпохи Хэйан? (особенно Тайра против Минамото)

Как работали японские кланы эпохи Хэйан? (особенно Тайра против Минамото)


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Википедия сообщает мне, что в период Хэйан некоторые дети императоров были понижены в звании (исключены из королевской родословной) и приписаны к Тайре, а также к «кланам» Минамото.

Как это работало?

  1. Было ли какое-то особое основание отдавать людей друг другу?
  2. Должны ли кланы быть доминирующей социальной идентичностью для своих членов?
  3. Предоставляли / требовали ли они специальные услуги?
  4. Как поколенческий компонент (например, Сага против Сэйва Гэндзи) повлиял на ситуацию? Например, идентифицировали ли Сага и Сэйва Гэндзи как Минамото и, следовательно, были ли они более склонны сотрудничать друг с другом, чем с другими кланами?

Гемпейская война

Гион сёдзё но канэ но коэ, сёгё мудзё но хибики ари. Шара содзю но хана но иро, сёша хиссуи но кото вари во аравасу. Огореру хито мо хисасикаразу, тада хару но йору но юмэ но готоши. Takeki mono mo tsui ni horobinu, hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
Звук храмовых колоколов Гион Соджа отражает непостоянство всего сущего. Цвет цветов сала раскрывает правду о том, что процветать - значит падать. Гордые не выдерживают наконец могущественного падения, чтобы стать не более чем прахом на ветру.

  • Даты: 1180-1185 гг.
  • Комбатанты: клан Минамото (и союзники) против клана Тайра (и союзники)
  • Результат: Победа Минамото клан Тайра в значительной степени уничтожен
  • Японский: 源 平 合 戦 (Генпей Кассен)

Война Гэнпэй, которая велась между самурайскими кланами Минамото и Тайра в 1180-1185 годах, знаменует конец правления императорского двора, в котором доминируют Тайра, и вскоре после этого последовала учреждение сёгуната Камакура как такового, она представляет собой падение государства. Тайра и подъем Минамото, конец периода Хэйан и начало периода Камакура, а также граница между классическим периодом правления аристократов / придворных и средневековым периодом правления самураев.

Война получила свое название от он-йоми или "китайское" прочтение названий двух кланов - Гэндзи и Хэйкэ (или Хэйши), что означает "клан Минамото" и "дом Тайра" (или "клан Тайра") соответственно.

Наиболее полно события войны были пересказаны в эпосе. Сказка о Хайке, который был передан как устная традиция путешествующими музыкантами-рассказчиками, прежде чем был впервые записан в 1371 году. Многочисленные Но, Кабуки и кукольные пьесы, а также бесчисленные картины и другие культурные творения основаны на этих историях. которые превратились в легенду.


СОДЕРЖАНИЕ

Jōmon Art Править

Первыми поселенцами Японии были люди Дзёмон (ок. 10500 - ок. 300 до н. Э.) [3], названные в честь маркировки шнуров, украшавших поверхность их глиняных сосудов, были кочевыми охотниками-собирателями, которые позже практиковали организованное сельское хозяйство и строили города. с населением в сотни, если не тысячи. Они построили простые дома из дерева и соломы, вставленные в неглубокие земляные ямы, чтобы обеспечить тепло от земли. Они создавали богато украшенные сосуды для хранения керамики, глиняные фигурки, называемые Dogū, и хрустальные драгоценности.

Ранний период Дзёмон Править

В период Раннего Дзёмона (5000-2500 гг. До н.э.) [3] начали обнаруживаться деревни, и были обнаружены обычные предметы повседневного обихода, такие как керамические горшки для кипячения воды. Найденные в то время горшки имели плоское дно и замысловатый дизайн, сделанный из таких материалов, как бамбук. Кроме того, еще одной важной находкой были ранние фигурки Дзёмон, которые могли использоваться в качестве объектов плодородия из-за наличия у них груди и набухших бедер. [3]

Средний период Дзёмон Править

Период Среднего Дзёмона (2500-1500 гг. До н.э.) [3] во многом отличался от периода Раннего Дзёмона. Эти люди стали менее кочевыми и начали селиться в деревнях. Они создали полезные инструменты, которые могли обрабатывать пищу, которую они собирали и на которую охотились, что облегчало им жизнь. Благодаря многочисленным эстетически привлекательным изделиям из керамики, которые были найдены в этот период, очевидно, что у этих людей была стабильная экономика и больше свободного времени для создания красивых изделий. Кроме того, люди периода Среднего Дзёмон отличались от своих предшествующих предков, потому что они разрабатывали сосуды в соответствии со своими функциями, например, они производили горшки для хранения предметов. [3] Украшения на этих сосудах стали более реалистичными по сравнению с ранней керамикой Дзёмон. В целом за этот период не только увеличилось производство произведений, но и эти люди сделали их более декоративными и натуралистичными. [3]

Поздний и последний период Дзэмона Править

Во время позднего и последнего периода Дзёмон (1500-300 гг. До н.э.) [3] погода начала становиться холоднее, что вынудило их отойти от гор. Основным источником пищи в то время была рыба, которая заставляла их улучшать свои рыболовные снасти и инструменты. Это продвижение было очень важным достижением в то время. Кроме того, количество сосудов значительно увеличилось, что, возможно, позволяет заключить, что в каждом доме была выставлена ​​собственная статуэтка. Хотя в поздний и последний период Дзёмон были найдены различные сосуды, эти части были обнаружены поврежденными, что может указывать на то, что они использовали их для ритуалов. Кроме того, были обнаружены фигурки, которые отличались мясистым телом и очками, похожими на глаза. [3]

Догу («земляная фигура») - маленькие фигурки гуманоидов и животных, сделанные в более позднюю часть периода Дзёмон. [4] Их производили по всей Японии, кроме Окинавы. [4] Некоторые ученые теоретизируют Dogū действовали как чучела людей, в которых проявлялась какая-то симпатическая магия. [5] Догу сделаны из глины и имеют небольшие размеры, обычно от 10 до 30 см в высоту. [6] Большинство фигурок выглядят как женские, с большими глазами, маленькой талией и широкими бедрами. [4] Многие считают их представителями богинь. Многие из них имеют большой живот, связанный с беременностью, что позволяет предположить, что Дзёмон считали их богинями-матерями. [6]

Искусство Яёи Править

Следующей волной иммигрантов стали люди яёи, названные в честь района в Токио, где впервые были обнаружены остатки их поселений. Эти люди, прибывшие в Японию около 300 г. до н.э. [7], принесли свои знания о выращивании риса на заболоченных территориях, производстве медного оружия и бронзовых колоколов (дотаку), и керамика, обожженная в колёсах.

Колокол доотаку периода Яёи, III век н.э.

Бронзовое зеркало, раскопанное в кофуне Цубай-оцукаяма, Ямасиро, Киото

Кармаическая банка периода Яёй

Емкость для хранения Яёи от 500 г. до н.э. - 200 г. н.э.

Кофун-арт Править

Третий этап предыстории Японии, период Кофун (ок. 300–710 гг. Н.э.) [3], представляет собой модификацию культуры яёй, обусловленную либо внутренним развитием, либо внешней силой. Этот период наиболее известен своей гробницей и другими артефактами, такими как бронзовые зеркала и глиняные скульптуры, называемые ханива которые были воздвигнуты за пределами этих гробниц. На протяжении периода Кофуна характеристики этих гробниц эволюционировали от небольших гробниц, воздвигнутых на вершинах холмов и хребтов, до гораздо более крупных гробниц, построенных на равнине. [8] Самая большая гробница в Японии, гробница императора Нинтоку, вмещает 46 курганов и имеет форму замочной скважины, [9] отличительная особенность, обнаруженная в более поздних гробницах Кофун. [8]

Искусство Аски и Нары Править

В периоды Асука и Нара, названные так потому, что резиденция японского правительства находилась в долине Асука с 542 по 645 год [3] и в городе Нара до 784 года, в Японии произошел первый значительный приток континентальной азиатской культуры.

Передача буддизма дала начальный импульс контактам между Китаем и Японией. Японцы признали те аспекты китайской культуры, которые можно было бы с пользой включить в их собственные: систему преобразования идей и звуков для написания сложных историографических теорий правительства, таких как эффективная бюрократия и, что наиболее важно для искусства, новые технологии, новое строительство. техники, более совершенные методы литья из бронзы, а также новые техники и средства живописи.

Однако на протяжении VII и VIII веков основным направлением контактов между Японией и азиатским континентом было развитие буддизма. Не все ученые пришли к единому мнению о знаменательных датах и ​​подходящих названиях, применимых к различным временным периодам между 552 годом, официальной датой появления буддизма в Японии, и 784 годом, когда японская столица была перенесена из Нары. Наиболее распространенные обозначения - период Суйко, 552–645 гг., Период Хакухо, 645–710 гг., И период Тэнпю, 710–784 гг.

Пагода и Кондо в Хурю-дзи, 8 век

Самые ранние японские скульптуры Будды датируются 6-7 веками. [10] В конечном итоге они происходят от греко-буддийского искусства Гандхары 1–3 веков нашей эры, характеризуемого плавными узорами одежды и реалистичной визуализацией [11], на которые накладывались китайские художественные черты. После того, как буддийское искусство Китая Северный Вэй проникло на Корейский полуостров, различные группы иммигрантов привезли буддийские иконы в Японию. [12] В частности, полу-сидящая форма Майтрейи была адаптирована в высокоразвитый древнегреческий художественный стиль, который был передан в Японию, о чем свидетельствуют статуи Корю-дзи Мироку Босацу и Чугу-дзи Сиддхартха. [13] Многие историки изображают Корею просто передатчиком буддизма. [14] Три Королевства, и особенно Пэкче, сыграли важную роль в качестве активных агентов в введении и формировании буддийской традиции в Японии в 538 или 552 годах. [15] Они иллюстрируют конечную точку передачи искусства по Шелковому пути во время первого. несколько веков нашей эры. Другие примеры можно найти в развитии иконографии японского бога ветра Фудзин [16], хранителей Niō [17] и почти классических цветочных узоров в храмовых украшениях. [18]

Самые ранние буддийские сооружения до сих пор сохранились в Японии, а самые старые деревянные постройки на Дальнем Востоке находятся в Хурю-дзи к юго-западу от Нары. Он был построен в начале 7 века как частный храм наследного принца Сётоку и состоит из 41 отдельного здания. Самые важные из них, главный зал поклонения или Кондо (Золотой зал) и Годзю-но-то (Пятиэтажная пагода), встаньте в центре открытой площадки, окруженной крытым монастырем. В Кондо, выполненный в стиле китайских молельных залов, представляет собой двухэтажное строение из балок, увенчанное потолком. иримойя, или шатрово-остроконечная крыша из керамической черепицы.

Внутри Кондона большой прямоугольной платформе находятся одни из самых важных скульптур того периода. Центральное изображение - Троица Шака (623 г.), исторический Будда в окружении двух бодхисаттв, скульптура, отлитая из бронзы скульптором Тори Буси (процветал в начале 7 века) в честь недавно умершего принца Сётоку. В четырех углах платформы изображены Короли-Хранители Четырех Направлений, вырезанные из дерева около 650 г. Также в Хурю-дзи находится Храм Тамамуси, деревянная копия Кондо, который установлен на высоком деревянном основании, украшенном фигурными росписями, выполненными с использованием минеральных пигментов, смешанных с лаком.

Строительство храма в 8 веке было сосредоточено вокруг Тодай-дзи в Наре. Построенный как штаб-квартира сети храмов в каждой из провинций, Тодайдзи является самым амбициозным религиозным комплексом, построенным в первые века буддийского культа в Японии. Соответственно, 16,2-метровый (53-футовый) Будда (завершено 752), закрепленный в главном зале Будды, или Дайбуцуден, это Будда Рушана, фигура, олицетворяющая сущность состояния будды, точно так же, как Тодайдзи представлял центр спонсируемого Империей буддизма и его распространения по всей Японии. Лишь несколько фрагментов оригинальной статуи сохранились, а нынешний зал и центральный Будда являются реконструкциями периода Эдо.

Вокруг Дайбуцудена на пологом склоне холма расположено несколько второстепенных залов: Хокке-до (Зал Сутры Лотоса), с его основным изображением, Фукукендзяку Каннон (不 空 羂 索 観 音 立 像, самый популярный бодхисаттва), созданный из сухого лака (ткань, пропитанная лаком и сформированная поверх деревянной арматуры). Кайданин (戒壇 院, Зал посвящения) с его великолепными глиняными статуями Четырех Королей-Хранителей и хранилищем, называемым Shōsin. Это последнее строение имеет большое значение как художественно-исторический тайник, потому что в нем хранится утварь, которая использовалась при церемонии открытия храма в 752 году, ритуале открытия глаз для изображения Рушана, а также правительственные документы и многие светские документы. объекты, принадлежащие Императорской семье.

Чукин (или чёкин), искусство гравировки или скульптуры по металлу, как полагают, зародилось в период Нара. [19] [20]

Искусство Хэйан Править

В 794 году столица Японии была официально перенесена в Хэйан-кё (современный Киото), где она оставалась до 1868 года. Период Хэйан относится к периоду между 794 и 1185 годами, когда сёгунат Камакура был основан в конце войны Генпэй. Период далее делится на раннюю эру Хэйан и позднюю эру Хэйан, или Фудзивара, поворотной датой является 894 год, когда было официально прекращено деятельность посольств империи в Китае.

Искусство раннего Хэйан: В ответ на рост богатства и могущества организованного буддизма в Наре, священник Кукай (наиболее известный под своим посмертным титулом Кобо Дайси, 774–835) отправился в Китай, чтобы изучать Сингон, форму буддизма Ваджраяны, которую он представил в Японии в 806. В основе поклонения Сингону лежат мандалы, диаграммы духовной вселенной, которые затем начали влиять на дизайн храмов. Японская буддийская архитектура также приняла ступу, первоначально индийскую архитектурную форму, в своей пагоде в китайском стиле.

Храмы, построенные для этой новой секты, были построены в горах, вдали от двора и мирян в столице. Неравномерная топография этих участков заставила японских архитекторов переосмыслить проблемы строительства храмов и при этом выбрать более местные элементы дизайна. Крыши из кипарисовой коры заменили крыши из керамической плитки, деревянные доски использовались вместо земляных полов, а перед главным святилищем было добавлено отдельное место поклонения для мирян.

Храм, который лучше всего отражает дух ранних храмов Хэйан Сингон, - это Муродзи (начало 9 века), расположенный в глубине кипарисов на горе к юго-востоку от Нары. Деревянное изображение (также начало IX века) Шакьямуни, «исторического» Будды, хранящееся во второстепенном здании в Муродзи, типично для ранней скульптуры Хэйан, с его тяжелым телом, покрытым толстыми складками драпировки, вырезанными в хонпа-шики стиль (катящаяся волна) и его суровое, замкнутое выражение лица.

Искусство Фудзивара: В период Фудзивары стал популярным буддизм Чистой Земли, предлагавший легкое спасение через веру в Амиду (Будду западного рая). Этот период назван в честь семьи Фудзивара, тогда самой могущественной в стране, правившей в качестве регентов Императора, став, по сути, гражданскими диктаторами. В то же время дворянство Киото сформировало общество, приверженное элегантным эстетическим занятиям. Их мир был настолько безопасным и прекрасным, что они не могли представить себе Рай как нечто совершенно иное. Они создали новую форму зала Будды, зал Амида, который сочетает в себе светское и религиозное, и вмещает одно или несколько изображений Будды в структуре, напоминающей особняки знати.

В Hō-ō-dō (Зал Феникса, завершен в 1053 г.) Бьёдо-ин, храм в Удзи к юго-востоку от Киото, является образцом залов Фудзивара Амида. Он состоит из основной прямоугольной конструкции, окруженной двумя L-образными коридорами крыльев и хвостового коридора, расположенного на краю большого искусственного пруда. Внутри на высокой платформе установлено золотое изображение Амиды (ок. 1053 г.). Скульптура Амиды была выполнена Джоучоу, который использовал новый канон пропорций и новую технику (Ёсэги), в котором несколько деревянных частей вырезаны как ракушки и соединены изнутри. На стенах зала нанесены небольшие рельефные изображения небожителей. Считается, что хозяин сопровождал Амиду, когда он спустился из Западного Рая, чтобы собрать души верующих в момент смерти и перенести их в цветках лотоса в Рай. Райго картины на деревянных дверях Хо-ō-до, изображающие сошествие Будды Амиды, являются ранним примером Ямато-э, живописи в японском стиле и содержат изображения пейзажей вокруг Киото.

Е-маки: В последнее столетие периода Хэйан горизонтальная иллюстрированная повествовательная ручная прокрутка, известная как е-маки (絵 巻, букв. «Свиток с картинками»). Примерно с 1130 г. Гэндзи Моногатари Эмаки, знаменитый иллюстрированный Сказка о Гэндзи представляет собой самый ранний из сохранившихся рукописных свитков ямато-э и один из ярких моментов японской живописи. Написанный около 1000 года Мурасаки Сикибу, фрейлиной императрицы Сёши, роман повествует о жизни и любви Гэндзи и мире двора Хэйан после его смерти. Художники XII века е-маки version разработала систему графических условностей, которые визуально передают эмоциональное содержание каждой сцены. Во второй половине века стал популярен другой, более живой стиль непрерывной повествовательной иллюстрации. В Ban Dainagon Ekotoba (конец XII века), свиток, посвященный придворным интригам, подчеркивает фигуры в активном движении, изображенные быстро выполненными мазками кисти и тонкими, но яркими цветами.

Е-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров отоко-э («мужские фотографии») и онна-э («женские рисунки») стили живописи. В этих двух стилях есть много тонких различий, отвечающих эстетическим предпочтениям полов. Но, пожалуй, наиболее заметными являются различия в предметах. Онна-э, воплощенный в «Повести о свитке рук Гэндзи», обычно имеет дело с придворной жизнью, особенно с придворными дамами, и с романтическими темами. Отоко-э часто фиксируются исторические события, особенно сражения. Осада дворца Сандзё (1160 г.), изображенная в разделе «Ночная атака на дворец Сандзё» свитка рук Хэйдзи Моногатари, является известным примером этого стиля.

Искусство Камакура Править

В 1180 году разразилась война между двумя самыми могущественными кланами воинов: Тайра и Минамото, пять лет спустя Минамото одержал победу и фактически основал резиденцию правительства в приморской деревне Камакура, где оставался до 1333 года. При переходе власти от дворянства к классу воинов, искусство должно было удовлетворить новую аудиторию: людей, преданных боевым искусствам, священников, стремящихся сделать буддизм доступным для неграмотных простолюдинов, и консерваторов, аристократии и некоторых представителей духовенства, которые выразил сожаление по поводу упадка судебной власти. Таким образом, реализм, популяризаторское направление и классическое возрождение характеризуют искусство периода Камакура. В период Камакура Киото и Нара оставались центрами художественного производства и высокой культуры.

Скульптура: Школа скульпторов Кей, в частности Ункей, создала новый, более реалистичный стиль скульптуры. Два изображения хранителя Ниу (1203 г.) в Великих Южных воротах Тодай-дзи в Наре иллюстрируют динамичный сверхреалистичный стиль Ункей. Изображения высотой около 8 м (около 26 футов) были вырезаны из нескольких блоков в течение примерно трех месяцев, что свидетельствует о развитой студийной системе ремесленников, работающих под руководством мастера-скульптора. Полихромные деревянные скульптуры Ункэя (1208, Кофуку-дзи, Нара) двух индийских мудрецов, Мучаку и Сешина, легендарных основателей секты Хоссо, являются одними из самых совершенных реалистических произведений того периода, выполненных Ункэем, они удивительно индивидуализированы и индивидуализированы. правдоподобные изображения. Одна из самых известных работ этого периода - Триада Амитабха (завершена в 1195 году) в Дзёдо-дзи в Оно, созданная Кайкей, преемником Ункэя.

Каллиграфия и живопись: В Кэгон Энги Эмаки, иллюстрированная история основания секты Кэгон, является прекрасным примером популяризаторской тенденции в живописи Камакура. Секта Кэгон, одна из самых важных в период Нара, переживала тяжелые времена во время господства сект Чистой Земли. После войны Гэнпэй (1180–1185) священник Мё из Кодзан-дзи стремился возродить секту, а также предоставить убежище женщинам, овдовевшим войной. Жены самураев отговаривались изучать больше, чем слоговую систему для транскрипции звуков и идей (см. Кана), и большинство из них были неспособны читать тексты, в которых использовались китайские идеограммы (кандзи).

Таким образом Кэгон Энги Эмаки сочетает в себе отрывки текста, написанные с максимальным количеством легко читаемых слогов, и иллюстрации, в которых диалог между персонажами написан рядом с говорящими - техника, сравнимая с современными комиксами. Сюжет о е-маки, жизнь двух корейских священников, основавших секту Кэгон, динамична и наполнена фантастическими подвигами, такими как путешествие во дворец короля океана и трогательная история мамы. [ требуется разъяснение ]

Работа в более консервативном ключе - иллюстрированная версия дневника Мурасаки Сикибу. Е-маки Версии ее романа продолжали выпускаться, но знать, настроенная на новый интерес к реализму, но ностальгирующая по прошлым дням богатства и власти, оживила и проиллюстрировала дневник, чтобы воссоздать великолепие времен автора. Один из самых красивых отрывков иллюстрирует эпизод, в котором Мурасаки Сикибу игриво удерживается в плену в своей комнате двумя молодыми придворными, в то время как прямо на улице лунный свет сияет на мшистых берегах речки в императорском саду.

Искусство Муромати Править

В период Муромати (1338–1573), также называемый периодом Асикага, в японской культуре произошли глубокие изменения. Клан Асикага взял под свой контроль сёгунат и перенес свою штаб-квартиру обратно в Киото, в район Муромати города. С возвращением правительства в столицу популярным тенденциям периода Камакура пришел конец, и культурное самовыражение приняло более аристократический, элитарный характер. Дзен-буддизм, секта Чань, которая, как традиционно считается, возникла в Китае в VI веке, во второй раз проникла в Японию и пустила корни.

Рисование: Из-за светских предприятий и торговых миссий в Китай, организованных храмами дзэн, многие китайские картины и предметы искусства были импортированы в Японию и оказали глубокое влияние на японских художников, работающих для храмов дзэн и сёгуната. Этот импорт не только изменил тематику живописи, но и изменил использование цвета - яркие цвета Ямато-э уступили место монохромам живописи в китайской манере, где картины обычно имеют только черно-белые или разные тона. один цвет.

Типичным для ранней живописи Муромати является изображение жрецом-художником Као (действовало в начале 15 века) легендарного монаха Кэнсу (Сянь-цзы по-китайски) в момент достижения им просветления. Этот вид живописи был выполнен быстрыми мазками и минимумом деталей. Ловля сома тыквой (начало 15 века, Тайдзо-ин, Мёсин-дзи, Киото), работы художника-священника Дзэцуцу (активный ок. 1400 г.), знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. Первоначально выполненный для невысокой ширмы, он был переоборудован в свиток с надписями современных фигур выше, одна из которых относится к картине как к «новому стилю». На переднем плане на берегу ручья изображен мужчина, держащий маленькую тыкву и смотрящий на большого скользкого сома. Туман заполняет середину, а горы на заднем плане кажутся далекими вдалеке. Принято считать, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого космоса в картинной плоскости.

Выдающиеся художники периода Муромати - художники-священники Шубун и Сесшу. Сюбун, монах Киотского храма Сёкоку-дзи, созданный на картине Чтение в бамбуковой роще (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в космос. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. Пейзаж четырех сезонов (Сансуи Чокан c. 1486) - одна из наиболее совершенных работ Сесшу, изображающая непрерывный пейзаж в течение четырех сезонов.

Искусство Адзути-Момояма Править

В период Адзути-Момояма (1573–1603) череда военачальников, таких как Ода Нобунага, Тоётоми Хидэёси и Токугава Иэясу, пыталась принести мир и политическую стабильность в Японию после эпохи почти 100-летней войны. Ода, младший вождь, приобрел власть, достаточную для того, чтобы фактически взять под контроль правительство в 1568 году и, пять лет спустя, изгнать последнего Асикага сёгуна. Хидэёси принял командование после смерти Оды, но его планы установить наследственное правление были сорваны Иэясу, который основал сёгунат Токугава в 1603 году.

Рисование: Самой важной школой живописи в период Момояма была школа Кану, а величайшим нововведением этого периода была формула, разработанная Кану Эйтоку, для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, окружающих комнату. Украшение главной комнаты с видом на сад Дзюко-ин, подтемпеля Дайтоку-дзи (храма Дзэн в Киото), возможно, является лучшим из сохранившихся примеров работ Эйтоку. Массивный умэ дерево и сосны-близнецы изображены на парах раздвижных ширм в диагонально противоположных углах, их стволы повторяют вертикали угловых стоек, а их ветви простираются влево и вправо, объединяя примыкающие друг к другу панели. Экран Эйтоку, Китайские львы, также в Киото, демонстрирует смелый, яркий стиль живописи, который предпочитают самураи.

Хасэгава Тохаку, современник Эйтоку, разработал несколько иной и более декоративный стиль для крупномасштабных экранных картин. В его Кленовый экран (楓 図), теперь в храме Тишаку-ин (ja: 智 積 院), Киото, он поместил ствол дерева в центр и вытянул его ветви почти до края композиции, создав более плоский, менее архитектурный вид. работа, чем Eitoku, но визуально великолепная картина. Его шестикратный экран, Сосновый лес (松林 図) - мастерская обработка монохромными чернилами рощи деревьев, окутанной туманом.

Искусство периода Эдо Править

Сёгунат Токугава получил бесспорный контроль над правительством в 1603 году с обязательством принести в страну мир, экономическую и политическую стабильность, в значительной степени это было успешным. Сёгунат просуществовал до 1867 года, когда он был вынужден капитулировать из-за своей неспособности справиться с давлением западных стран с целью открыть страну для внешней торговли. Одной из доминирующих тем периода Эдо была репрессивная политика сёгуната и попытки художников избежать этих ограничений. Главным из них было закрытие страны для иностранцев и принадлежностей их культур, а также введение строгих кодексов поведения, затрагивающих все аспекты жизни, одежду, которую человек носил, человека, на котором он женился, и действия, которые можно или нужно не преследовать.

Однако в первые годы периода Эдо полное влияние политики Токугавы еще не ощущалось, и были созданы некоторые из лучших проявлений японской архитектуры и живописи: дворец Кацура в Киото и картины Таварая Сотацу, пионера японской архитектуры. Школа Ринпа.

Печать на ксилографии: Ксилографические гравюры первоначально использовались для перевода буддийских писаний в восьмом веке в Японии. Ксилография состоит из гравировки изображений или картинок на куске дерева, который затем прижимается к листу бумаги. В восьмом веке ксилография считалась удобным методом воспроизведения печатного текста, пока дальнейшие инновации не позволили переводить цвет на бумагу или более известный как гравюры Нишик-э. Печать на деревянных блоках была распространенным методом печати с одиннадцатого до девятнадцатого века. Печатные издания Нисики-э производили такие товары, как календари, которые обычно продавались богатым членам общества в период Эдо. В период Эдо на этих гравюрах были изображены события и сцены с участием выдающихся актеров. Укиё тогда ассоциировалось с гравюрой на дереве в ранний период Эдо. Эти картины укиё изображали повседневную жизнь выдающихся членов общества. Укиё сначала зародился, когда свитки ручной работы изображали жизнь обычного человека.

Архитектура: Отдельный дворец Кацура, построенный по образцу дворца Гэндзи, включает в себя группу зданий сёин, в которых сочетаются элементы классической японской архитектуры с новаторскими изменениями. Весь комплекс окружен красивым садом с дорожками для прогулок. Многие из мощных даймё (феодалы) построили японский сад в стиле округа на территории страны и соревновались за красоту.

Рисование: Сотацу развил превосходный декоративный стиль, воссоздав темы из классической литературы, используя ярко окрашенные фигуры и мотивы из мира природы на фоне сусального золота. Одна из его лучших работ - пара экранов. Волны в Мацусиме в галерее Freer в Вашингтоне, округ Колумбия.Век спустя Корин переработал стиль Сотацу и создал уникальные визуально великолепные работы. Пожалуй, его лучшими являются экранные картины Красные и белые цветки сливы.

Скульптура: Буддийский монах Энку вырезал 120 000 буддийских изображений в грубом индивидуальном стиле.

Укиё-э и нанга (бунджинга): Школа искусства, наиболее известная на Западе, - это школа укиё-э и гравюры на дереве полусвета, мир театра кабуки и районы развлечений. Гравюры укиё-э начали печатать в конце 17 века, в 1765 году Харунобу создал первую полихромную печать. Художники-печатники следующего поколения, в том числе Тории Кийонага и Утамаро, создали элегантные, а иногда и проницательные изображения куртизанок.

В XIX веке доминирующими фигурами были Хокусай и Хиросигэ, последний - создатель романтических и несколько сентиментальных пейзажных гравюр. Необычные углы и формы, через которые Хиросиге часто рассматривал пейзаж, а также работы Киёнаги и Утамаро с упором на плоские плоскости и четкие линейные очертания оказали глубокое влияние на таких западных художников, как Эдгар Дега и Винсент Ван Гог. Через произведения искусства, хранящиеся в западных музеях, эти же мастера позже оказали мощное влияние на образы и эстетические подходы, используемые ранними модернистскими поэтами, такими как Эзра Паунд, Ричард Алдингтон и Х.Д. [21]

Современной школой живописи укиё-э была нанга, или бунджинга, стиль, основанный на картинах китайских ученых-художников. Подобно тому, как художники укиё-э предпочитали изображать фигуры из жизни вне рамок сёгуната Токугава, художники бундзин обратились к китайской культуре. Образцами этого стиля являются Ике-но Тайга, Йоса Бусон, Таномура Чикуден и Ямамото Байицу (ямамото).

Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]

The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]

Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century

With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]

Inro а также Netsuke, 18th century

Art of the Prewar period Edit

When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]

As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]

Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.

Architecture and Garden Edit

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.

Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.

Живопись Править

The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.

Enamels Edit

During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for перегородки (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]

Lacquerware Edit

The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama а также Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]

Metalwork Edit

At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]

Ivory carving Edit

In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke а также kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]

Porcelain and Earthenware Edit

Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]

Textiles Edit

The 1902 edition of Британская энциклопедия wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]

Art of the Postwar period Edit

Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]

The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit

Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]

A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]

The 1960s: An explosion of new genres Edit

With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]

The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.

At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.

The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.

The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit

The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.

In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.

Contemporary art in Japan Edit

Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ нужна цитата ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.

At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]

Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (бонсай), а также ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in Ямато-э, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (ваби), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (саби). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Modern concepts Edit

Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]

Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

Traditional aesthetics Edit

Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.

Syncretic Buddhist art Edit

Wabi-Sabi Edit

This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.

Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.

Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.

Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.

Miyabi Edit

In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.

Shibui Edit

Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.

Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.

Jo-ha-kyu Edit

This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'

Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools Edit

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.

Private sponsorship and foundations Edit

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.


Смотреть видео: Clanurile Interlope Din BUCURESTI ce zone de influenta au