Натюрморт фреска из дома оленей в Геркулануме

Натюрморт фреска из дома оленей в Геркулануме


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Великие произведения: Натюрморт с персиками (около 50 г. н.э.) Anon

Классическому искусству часто придают статус классики. Работы древних греков и римлян были взяты многими более поздними художниками как выдающиеся образцы. По крайней мере, это верно в отношении их статуй и зданий. Но когда дело касается картин, возникает проблема. Остается очень мало, а то, что остается, вызывает недоумение.

Например, мы не знаем, кто нарисовал этот натюрморт с персиками. Мы понятия не имеем, какие еще работы сделал его создатель, и лишь очень ограниченное представление о работах современников. Уцелевшие римляне по большей части прибыли, как этот, из Помпей и Геркуланума.

Это были фрески, сохраненные (по иронии судьбы) лавой Везувия, в то время как картины в других городах, таких как сам Рим, были уничтожены или исчезли. Неужели искусство этих двух провинциальных городков уступало искусству столицы? Если бы мы увидели настоящую римскую живопись, разве сохранившиеся работы выглядели бы очень средними? Или это так хорошо, как есть?

Натюрморт с персиками происходит из комнаты в Геркулануме. Это не было отдельно стоящее изображение. Как и другие натюрморты, он был установлен на стене среди пейзажей, повествований, декораций. Но он занимал замкнутую квадратную секцию. И здесь используется стандартная конвенция римских натюрмортов - двойной (иногда тройной) уровень: объекты располагаются на ступеньке или подоконнике.

Сюжет - обычный натюрморт, кусочки обыденного: группа зеленых персиков с изогнутой веточкой и вьющимися листьями и стеклянная колба. Немного повреждений и выцветания, но ничего разрушительного. Мы видим доказательства. Выглядит знакомо. Мы должны уметь судить. Но на самом деле сложно сказать, хороша эта работа или нет. Мы не можем говорить на его языке или уловить его тон.

«Натюрморт с персиками» верит в смелый и простой дизайн. Имеет вид «современного искусства». Доминирующий цветовой контраст - салатовый и красно-коричневый, сильный и сладкий. Есть композиция из кругов и полос - «общая» композиция, где верхняя половина изображения имеет такой же вес, как и нижняя (преимущество ступенчатого устройства). Ветка изгибается сверху вниз. Листья складываются элегантным узором.

Другими словами, здесь работает тонкий глаз. И в то же время есть едва ли грамотная рука. Изображение фруктов - беспорядок. Они не являются ни плоскими, ни твердыми, а их контуры очень неопределенны. Тени, отбрасываемые всем, - кляксы. Им совершенно не удается - основная цель отбрасывания теней - прикрепить объект к поверхности под ним.

Эта смесь умения и неумелости заставляет задуматься: что за художник это сделал? Любитель, у которого было несколько удачных ударов? Или хакер на конце традиции, который наполовину забыл, как это делать? Возьмите два разрезанных персика. Они имеют в виду какой-то аккуратный объемный эффект: вогнутая, выдолбленная из выпуклости. Визуальная идея умная. Кто-то мог сделать это великолепно. Этот художник не может заставить его работать.

Самый красивый и загадочный предмет - это стеклянная фляга с водой. Он ставит перед собой другую задачу изображения: изобразить прозрачность, один прозрачный элемент внутри другого. Он решает это очень экономично, с изображением, созданным исключительно из светлых участков, белых полос. Некоторые более смелые, некоторые более тусклые, некоторые более резкие, некоторые более мягкие, поскольку они подчеркивают поверхности, внутреннюю и внешнюю стороны. Каждый удар резок, показуха. Это как если бы художник не просто знал изобразительные приемы, необходимые для создания стакана воды, но сознательно наслаждался выполнением кода.

Но затем посмотрите на другие аспекты фляжки и на то, как она окрашена. Посмотрите на «перспективу» его форм. Предположительно, это круглый объект, рассматриваемый под углом. Ободок горлышка, окружность водной поверхности, дно фляжки - все это должны быть какие-то овалы. А вот правильные овалы художник сделать не умеет. Все они нестандартные. (Общая форма контура колбы тоже шаткая.) Или, опять же, посмотрите, как горловина колбы представляет собой довольно широкий «овал», как если бы она была видна сверху, тогда как ее основание показано прямо сбоку. , как если бы на него смотрели наравне с ним.

Головоломка возвращается. В чем-то этот предмет изображен искусно, изысканно. Вы можете подумать, что это было сделано с какой-то игрой или иронией, как будто каждый штрих выделен кавычками. Но в остальном это передано грубо и неуклюже, как если бы художник был наивным. Или, опять же, учитывая изощренность в других местах, возможно, это на самом деле фальшивая наивность.

Кто знает? Это работа усердного художника-вывески в пабе? Или игривый Хокни из первого века? Если не появится больше римских картин для сравнения, мы никогда не сможем сказать. Все, что мы можем пока сказать, это то, что «Натюрморт с персиками» - неловкая работа и неудобный случай. Как и другие сохранившиеся классические картины, в нем нет ничего от безмятежного авторитетного совершенства классической скульптуры. В нем может быть классическая харизма: поскольку это все, что нам нужно, мы извлекаем из этого максимум пользы. Но это не классика.

Плиний Старший и классическая живопись

Плиний Старший (23–79) был римлянином со многими достижениями. Он остался известен по двум причинам, обе в некотором роде случайные. Первая - это практически полная утрата живописи классического периода. Мы не можем этого увидеть. Мы должны прочитать об этом в «Естественной истории» Плиния. В этой универсальной энциклопедии есть раздел, посвященный живописи. Плиний перечисляет сотни художников с их достижениями.

Он упоминает Пирей, покровителя всех художников, преображающих повседневность: «Его предметами были парикмахерские, сапожные лавки, ослы, закуски и т. Д. Его картины, однако, изысканно приятны и продаются по более высоким ценам, чем крупнейшие работы многих мастеров ». Другая претензия Плиния на известность - его смерть. Он погиб во время извержения Везувия, разрушившего Помпеи, но сохранившего большую часть искусства, например этот натюрморт.


Файл: Фреска с изображением охоты на купидона из криптопортика Дома оленей в Геркулануме, Империя цветов. От Помпеи до Южной Галлии, музей Сен-Раймон Тулуза (16278133531) .jpg

Щелкните дату / время, чтобы просмотреть файл в том виде, в котором он был в тот момент.

Дата / времяЭскизГабаритные размерыПользовательКомментарий
Текущий07:35, 19 январь 20151954 × 1254 (1,91 МБ) Бутко (Обсуждение | вклад) Перенесено с Flickr через Flickr2Commons

Вы не можете перезаписать этот файл.


История Геркуланума

Геркуланум был меньше своего ближайшего соседа Помпеи, но его история по-прежнему важна. Небольшой прибрежный городок, размер которого составляет четверть своего оживленного торгового соседа Геркуланум, также был древним. Осканы, самниты и греки оставили свой след в планировке Геркуланума - даже его название. Но это было как римлянин муниципалитет что Геркуланум достиг своего расцвета, когда стал популярным морским курортом. Фактически, Геркуланум стал популярным летним убежищем для римской элиты - раньше, как и Помпеи, извержение Везувия разрушило его в 79 году нашей эры.

Фрагмент картины под названием Геркулес и Телефос. Римская фреска в Августеуме (так называемая базилика) в Геркулануме. Изображение предоставлено Wikimedia Commons. Всеобщее достояние

Фонд Геркуланума

По словам Эндрю Уоллеса-Хэдрилла, директора проекта по сохранению Геркуланума, археологические останки Геркуланума не датируются четвертым веком до нашей эры. Однако древние источники предполагают, что у крошечного городка была древняя, даже мифическая основа. Дионисий Галикарнасский утверждает, что Геркуланум основал греческий герой Геракл - по совпадению, миф, аналогичный основанию мифа о соседних Помпеях.

Однако вполне вероятно, что Геркуалнев на несколько веков старше греков. Его расположение на мысе с видом на море на склонах Везувия делало его идеальным местом для легко защищаемого поселения, которое могло использовать море для рыбной ловли и плодородную почву земли вокруг него для сельского хозяйства. Неудивительно, что географ Страбон назвал эту местность «плодородие страны». Маловероятно, что первые поселенцы ожидали, что греческий герой санкционирует эту землю как поселение.

Страбон утверждал, что Осканы первыми заселили Геркуланум. За ними последовали этруски, которые доминировали на большей части Кампании в шестом веке до нашей эры. Именно они максимально использовали прибрежное положение Геркуланума, увеличивая объем торговли через город. Лишь в пятом веке до нашей эры Геркуланум подвергся влиянию Греции. К 474 году до н.э. греческие поселенцы прочно контролировали Кампанию, обозначив эту территорию как свою собственность с основанием новых городов. Совсем недалеко от Геркуланума они основали свой «новый город», позже известный как Неаполь. Эти греческие поселенцы оставили свой след и в Геркулануме. План улиц небольших поселений перекликается с планом улиц своего более крупного соседа.

Вид с улицы Самнитского дома в Геркулануме. Изображение предоставлено Национальным архивом Нидерландов, Wikimedia Commons. Creative Commons CC0 1.0 Универсальное посвящение общественному достоянию.

Самнитский Геркуланум

К четвертому веку Геркуланум подпал под влияние самнитов, и город стал частью Нуцеринского союза. Наряду с остальной частью Лиги Геркуланум стал Socii или союзник Рима в 307 г. до н.э.

Второй век до нашей эры был периодом бума для Самнитского Геркуланума. Археология показывает развивающийся архитектурный стиль, поскольку дома Геркуланума начали эволюционировать от темных компактных осканских домов с маленькими окнами и дверными проемами до более обширных домов с колоннами, садами и верхними этажами. В Геркулануме до сих пор сохранились пережитки этой эпохи, такие как Самнитский дом и Дом деревянной перегородки.

В 91 г. до н.э. разразилась Социальная война, которая нарушила мир Геркуланума, поскольку итальянские союзники Рима восстали против нее. Однако это был бесполезный жест. Рим победил, и в 89 г. до н.э. Тит Дидий, легат диктатора Суллы, возглавил завоевание Геркуланума. Однако Геркуланум сделал не только позорный упадок, но и завоевание.

Римская мозаика на полу женских бань в Геркулануме. Изображение предоставлено Наташей Шелдон (2007) Все права защищены.

Римский Геркуланум

Геркуланум был теперь частью римского государства, получив статус муниципалитет или провинциальный городок. Город вступил в самый процветающий период своей истории. Римляне предоставили Геркуланум мощеные улицы, канализацию, новый театр и базилику - все атрибуты римского города.

Почему Роман уделил Геркулануму столько внимания и денег? В конце концов, город был немногим больше, чем деревня по сравнению с процветающим торговым городом Помпеи. По словам Эндрю Уоллеса Хэдрилла, Геркуланум занимал не более 15-20 гектаров, что составляло лишь четверть своего ближайшего соседа с населением всего в несколько тысяч человек. Маленький городок не был крупным портом и, кроме сельского хозяйства и виноградарства, не имел большого коммерческого значения. Однако после землетрясения 62 г. н.э., разорившего города вокруг Везувия, гражданский ремонт Геркуланума финансировался за счет субсидий римского правительства.

Сад Дома оленей, Геркуланум. Изображение предоставлено Наташей Шелдон (2007) Все права защищены.

Римский курорт

Значение Геркуланума для римлян было скорее удовольствием, чем делом. К первому веку до нашей эры Неаполитанский залив стал популярным местом отдыха из-за его вулканических источников в таких местах, как Байя и Сольфатара недалеко от Неаполя. Богатые римляне, стремящиеся к оздоровлению, начали стекаться в залив летом, и на побережье этого региона постепенно стали преобладать виллы богатых и аристократических людей. Геркуланум был маленьким, эксклюзивным и благословленным теплым летним бризом и захватывающими видами на побережье. По словам Страбона, это был идеальный вариант ».здоровое место для проживания » и спастись от невыносимой летней жары Рима.

Геркуланум быстро стал отступлением римской элиты. Консул Аппий Клавдий Пульхер провел загородную резиденцию в Геркулануме, а одна из самых известных резиденций города, Вилла Папирусов, была определена как бывший дом политика, эпикурейского философа и тестя Юлия Цезаря Л. Кальпурний Пизон.

Джон Мартин & # 8217s Разрушение Помпеи и Геркуланума (около 1821 г.) Public Domain

Извержение Везувия

Одна из этих вилл римской элиты занимает центральное место в рассказе Плиния Младшего об извержении Везувия в 79 году нашей эры, которое внезапно положило конец существованию Геркуланума. Утром в день извержения писатель и адмирал римского флота Плиний Старший получил сообщение от Ректины, жены Тасия. Письмо просило Пини переплыть залив, чтобы спасти Ректину и ее домочадцев из ее дома у подножия горы. (Письма Плиния Младшего, Bk VI.16).

Плиний-старший отправился в путь, но так и не успел. Не имея возможности плавать в водах залива, который быстро забросали пемзой, он умер в Стабиях, где укрылся.

Однако, несмотря на срочность сообщения Ректины, извержение поначалу не сильно повлияло на сам Геркуланум, и на него повлияла лишь небольшая россыпь пепла. Все изменилось в полночь, когда первый из шести пирокластических всплесков горячих газов и потоков покинул вулкан и направился в Геркуланум.

Пирокластический взрыв поразил город в течение четырех минут. Скорость облака горячих газов была настолько велика, что оно поднимало статуи с пьедесталов, оставляя их разбитые останки на некотором расстоянии. Он также разрушил портик Палестра и снял черепицу с крыш. Волна была настолько горячей, что обугляла дерево в городе и заставила море закипеть, когда оно достигло набережной. Сильная жара также мгновенно убила всех оставшихся жителей.

В конце концов, Геркуланум был погребен под 20-метровым слоем пепла, который смешался с водой и образовал оползни. Оползни затвердели, образовав туфовую скалу, которая окружила и сохранила Геркуланум. Они также скользят в гавань, расширяя береговую линию от города.

Никакое другое поселение не появлялось на месте Геркуланума до X века, когда был основан средневековый город Ресина. У Ресины не было никакого элитарного престижа своей древней предшественницы - и она потеряла свой вид на море. Однако под ним лежал древний Геркуланум, ожидающий своего открытия.

Капассо, Гаэтано, (2005) Путешествие в Помпеи. Capware Cultural Technologies

Хадрилл, Эндрю Уоллес, (2011) Прошлое и будущее Геркуланума. Frances Lincoln Limited: Лондон

Хорнблауэр, С. и Спофорт, А (редакторы) (1999) Оксфордский классический словарь (третье издание) Издательство Оксфордского университета.

Пироцци, Мария Эмма Антониетта, Геркуланум: раскопки, краеведение и окрестности. Пироцци. Электра Неаполь.

Радис, B (транс) (1969) Письма Плиния Младшего. Книги о пингвинах

Робертс, Пол (2013) Жизнь и смерть в Помпеях и Геркулануме, Британский музей


История файлов

Щелкните дату / время, чтобы просмотреть файл в том виде, в котором он был в тот момент.

Дата / времяЭскизГабаритные размерыПользовательКомментарий
Текущий07:35, 19 январь 20151985 × 1244 (1,78 МБ) Бутко (Обсуждение | вклад) Перенесено с Flickr через Flickr2Commons

Вы не можете перезаписать этот файл.


Натюрморты

Около 2000 лет назад кто-то нарисовал изображение стеклянного кувшина и четырех зеленых персиков на стене дома в Геркулануме, городке на берегу нынешней Итальянской Ривьеры. Два персика расколоты, их ореховые ядра расположены в мякоти фрукта, как ореол кометы. Во время написания картины персики считались экзотикой, люди больше знали виноград, яблоки, груши, сливы, абрикосы, инжир или гранаты. Большая часть еды, которую мы сейчас принимаем как должное, была неизвестна два тысячелетия назад: морковь была не того цвета, как сегодня, апельсины не были завезены в Италию до конца 15 века. Хотя Александр Великий впервые привез персики в Европу после завоевания персов в третьем веке до нашей эры, плоды стали популярными в Римской империи только примерно в то время, когда была написана эта фреска. Это самое раннее известное изображение персиков из существующих.

Мы не знаем, кто нарисовал это изображение и почему. Мы знаем, что настенные росписи, известные как ксения - греческое слово, означающее «гостеприимство», которое было принято римлянами как категория живописи, связанная с вручением подарков посетителям - были ранними воплощениями того, что мы теперь называем натюрмортами, и обычно их можно было найти в приемных . Популярные предметы включали мертвых животных, висящих на крючках, готовых к горшку, а также корзины с фруктами, яйцами и овощами. Однако Норман Брайсон в своей книге Глядя на обозримое (1990) предупреждает, что: «Именно потому, что они кажутся такими близкими по содержанию к более поздним натюрмортам, они [xenia] легко обходятся изображениями, созданными в совершенно иных культурных условиях […] xenia, по сути, доходит до нас как развалины. '

Натюрморт с персиками и кувшином для воды одновременно совершенно знакомо и абсолютно чуждо. Тем не менее, несмотря на нашу культурную и временную дистанцию ​​от жителей Геркуланума, у нас есть кое-что общее с ними: персик, кувшин с водой, солнечный свет - это мог бы быть мой стол сегодня. Также можно с уверенностью предположить, что в свое время эта скромная фреска была бы в некотором смысле хвастливой: она заявляет, что владельцы дома не были просто открыты для новых, модных ощущений, таких как вкус персиков. , но у них тоже были средства для их представления.

Свет отражается от стекла. Геркуланум был залитой солнцем жемчужиной города, популярного среди римских отдыхающих. Написанная этим серым лондонским днем ​​картина, залитая золотым светом, соблазнительна. И все же, несмотря на свое очарование, он неуклюж: сравните перекошенный вид кувшина и любопытный персик в форме глаза, который неловко парит над ним, с великолепными классическими скульптурами, которые создавались в то время. А почему персики зеленые? Они незрелые? Изменился ли цвет (картины, персиков) с годами или художник ошибся - и что здесь означает идея «неправильного»? Возможно, владелец дома поручил своему другу-художнику расписать его? Возможно, семья не могла позволить себе лучшего художника в городе? Может быть, это были древние сюрреалисты, любившие любительские переводы бытовых сцен? Кто знает?

В 79 г. н. Э. Произошло извержение Везувия, извергнувшего смертоносную приливную волну из перегретых горных пород и газа на города, расположенные у его подножия. Геркуланум и все в нем были уничтожены в одно мгновение. Трудно представить себе жестокость катастрофы: гора выпустила в 100 000 раз больше тепловой энергии, чем при бомбардировке Хиросимы. Геркуланум был погребен под слоем пепла на 24 метра - почти на 20 метров больше, чем у соседа города, Помпеи, - который почти два тысячелетия создавал герметичную печать на этом месте, сохраняя здания, кровати, колыбели, двери, картины и даже обугленную буханку хлеба. и чаша инжира (оба они были включены в недавнюю выставку «Жизнь и смерть: Помпеи и Геркуланум» в Британском музее в Лондоне) - и, конечно же, эта фреска. Раскопки начались только в начале 18 века, и даже сегодня две трети Геркуланума остаются захороненными. Какой парадокс, что такая разруха сохранила такую ​​хрупкую вещь. Очень немногие древнегреческие фрески сохранились до римских из-за катастрофы.

В 1871 году 52-летний Гюстав Курбе был заключен в тюрьму на шесть месяцев за участие в Парижской Коммуне - революционной партии, правившей Францией в течение двух месяцев того же года. Ему было предъявлено обвинение в его роли в разрушении Вандомской колонны, воздвигнутой Наполеоном I в 1806 году в Париже в ознаменование битвы при Аустерлице. Колонна представляла все, что ненавидел Курбе: отсутствие оригинальности, празднование завоеваний, ностальгия по жестокой императорской династии. Наиболее известен своими огромными картинами, такими как Камнедробители, Похороны в Орнане (оба 1849-50) и Мастерская художника, настоящая аллегория, подводящая итоги семи лет моей творческой и нравственной жизни. (1854 - 5), Курбе на протяжении всей своей жизни выступал против лицемерия, религии и незаслуженных привилегий, требуя, чтобы искусство отражало реалии обычных людей. В 1861 году он классно заявил в письме к группе студентов: «Искусство в живописи должно состоять только из изображения вещей, которые видимы и осязаемы […] Эпоха, которая не могла выразить себя через своих собственных художников, не имеет права выражаться сторонними художниками ».

Пока он был в тюрьме, сестра Курбе Зоя регулярно навещала его, принося фрукты и цветы. Сначала отказали в материалах, Курбе наконец разрешили краску и холст. Он красил Натюрморт с яблоками и гранатом (1871 - 2) находясь за решеткой. По сравнению с огромными картинами, благодаря которым он прославился, это скромное изображение мягко подсвеченных фруктов в терракотовой чаше с трещинами рядом с металлической кружкой. Некоторые были сбиты с толку натюрмортами, которые Курбе сделал в тюрьме, и задались вопросом, почему он не реагирует более прямо на хаос, происходящий на улицах Парижа. У меня нет возможности узнать, что происходило в голове у Курбе в этот момент, но я подозреваю, что тот факт, что 30 000 его товарищей-коммунаров были казнены, 38 000 заключены в тюрьму и 7 000 депортированы в Новую Каледонию, мог на мгновение смягчить его революционное рвение - он был в нет возможности рисковать противодействовать властям.

Однако это не умаляет достижения этой картины. Хотя натюрморт традиционно считался самым низким из жанров (после портретной живописи, пейзажа и исторической живописи), он возродился в середине XIX века во Франции. В начале 1860-х годов в парижской галерее Луи Мартине было представлено 40 картин Жана-Батиста-Симеона Шардена, мастера натюрморта, которые оказались чрезвычайно популярными в 1870 году. Эдуард Мане даже написал дань уважения картине Шардена с булочкой. Хотя Курбе в начале 1860-х годов написал небольшую группу картин с цветами во время пребывания у друга-садовода (картины такие же радостные, как эти мрачные яблоки), до своего заключения он никогда не рисовал фрукты. Искусствоведы, в том числе Майкл Фрид, читали фрукты Курбе как заменители людей, то есть яблоки скучены в условиях, столь же тесных, как и те, в которых оказался художник. Хотя это возможно, на мой взгляд, это слишком буквальное прочтение. Я не сомневаюсь, что Курбе был травмирован своим пребыванием в тюрьме: знание, которое он имел - в кровавые дни, предшествовавшие его тюремному заключению, - уклонялся от казни, несомненно, не давал покоя его мечтам. Я представляю, каким терапевтическим эффектом должно было быть для него сосредоточение на максимально реалистичной передаче чего-то столь же простого, как фрукт. И все же, несмотря на скромность сюжета, в этой картине есть что-то героическое. 15 яблок корявые, несовершенные, неравномерно окрашенные, но нет ничего слабого или жалостливого в атмосфере, которую так искусно создает Курбе. Это захватывающая картина, нарисованная мускулами и сосредоточенностью, несмотря на ее тени, произведение исходит из глубокого ощущения непосредственности, жизни. Также возможно, что революционные тенденции Курбе не были полностью подавлены - различные авторы предполагали, что, казалось бы, безобидный гранат, так удобно устроившийся среди яблок, говорит о том, что французское слово для обозначения граната - «граната».

Освободившись из тюрьмы в 1872 году, Курбе подал в Салон два натюрморта. Оба были отклонены. Когда Эрнест Мейссонье, известный своими восхитительными картинами с изображением Наполеона I и героическими батальными сценами, объявил об исключении Курбе, он злорадствовал, что «салон должен объявить Курбе мертвым». Было принято решение перестроить Вандомскую колонну, и разорившемуся Курбе было приказано оплатить расходы. Чтобы избежать банкротства, он сбежал в Швейцарию, где умер от алкогольной болезни в 1877 году, всего через несколько дней после того, как все в его парижской студии было разогнано на публичных торгах.

Когда я был молод, я ездил в Барселону с другом. Нам очень хотелось увидеть работы Пикассо, Миро, Гойи и всех других великих испанских художников, но больше всего мне запомнилась выставка натюрмортов итальянца Джорджо Моранди. Я не помню, где проходил показ, но хорошо помню, как оно меня раздражало. Я не мог понять, почему кто-то тратит всю жизнь на то, чтобы снова и снова рисовать то, что казалось одним и тем же, или находить такие скромные, повторяющиеся изображения интересными. Но по мере продвижения моих путешествий я все время думал об этих картинах. Не будет большим преувеличением сказать, что они в конечном итоге стали чем-то вроде навязчивой идеи: я влюбился в спокойное и ясное исследование Моранди отношений между простыми вещами - размеренными, слегка меланхоличными, странно красивыми, смутно истощенными, но очень намного живее. Позже, когда я изучал живопись, мое уважение к художнику выросло: я обнаружил, что создание чего-то одновременно столь сложного, но, казалось бы, не требующего усилий, возможно, является самым сложным из всех. Меня заинтриговал балансирующий поступок Моранди - то, как он изучал искусство прошлого (особенно художников раннего Возрождения, таких как Пьеро делла Франческа), чтобы открыть для себя новые способы создания искусства. Его работа привела меня к трудам Джона Кейджа, который по-своему, казалось, исследовал нечто подобное. Известное изречение композитора: «Если через две минуты что-то наскучит, попробуйте четыре. Если все-таки скучно, то восемь. Затем 16. Затем 32. В конце концов обнаруживается, что это совсем не скучно »- можно было бы написать для Моранди или о нем.

Я никогда не удосужился глубоко погрузиться в жизнь Моранди - ее детали казались посторонними по отношению к сути картин. Я, конечно, знал, что он всю жизнь прожил со своими сестрами и матерью в Болонье, очень редко путешествовал и вел монашеский образ жизни в своей мастерской, в которой работал 50 лет, создав 1350 картин и 133 гравюры. Я также знал, что он не позволил нарушить густую налету пыли, которая осела на его расположении предметов в его студии, - он ценил то, как она придавала твердым поверхностям мягкость и смешивала цвета с нежными, выцветшими оттенками древних. фрески. Картины, которые он написал в ужасные годы Второй мировой войны, казалось бы, далекие от ужасов вокруг него, были, на мой взгляд, маленькими маяками здравомыслия в безумном мире. Он был человеком, для которого все происходило медленно, естественно, и в одном из интервью он заявил, что: «Мне требуются недели, чтобы решить, какая группа бутылок подойдет к скатерти определенного цвета. Затем у меня уходит несколько недель на размышления о самих бутылках, и все же я часто ошибаюсь с пробелами. Может, я работаю слишком быстро? »

Только недавно я обнаружил, что в 1920-х годах Моранди был членом крайне правого движения Strapaese, ответвления господствующего итальянского фашизма, прославляющего сельскую, местную, антимодернистскую эстетику. В 1928 году он написал в партийном журнале: L’Assalto (Нападение): «Я очень верил в фашизм с момента его появления, вера, которая никогда не угасала, даже в самые мрачные и бурные моменты». Муссолини купил несколько гравюр, которые Моранди выставил на Венецианской биеннале 1928 года. также участвовал в выставках, организованных местным союзом фашистских художников и профсоюзом фашистских граверов, что помогло ему продать свои работы. Как пишет Джанет Абрамович в Джорджио Моранди: Искусство тишины (2005): «В заявлении Моранди о своей вере в фашизм не было двусмысленности». Внезапно увлечение Моранди порядком и его интерес к прошлому Италии показались зловещими.

После войны Моранди преуменьшил значение своего фашистского прошлого, его репутация осталась невредимой, защищенной тем, что считалось его почти святой удаленностью от мирских забот и своим мастерством в, казалось бы, безобидном жанре, который он превратил в абстрагированный - и, таким образом, имплицитно аполитичный. - исследования формы и цвета в космосе. Маленькие, приглушенные, туманные натюрморты - это, по-видимому, противоположность кровожадности и стремительности футуристов, для которых фашизм казался созданным на заказ.

То, что мы теперь знаем о Моранди, затрудняет просмотр его картин, рисунков и гравюр. Возникает извечный вопрос: возможно ли быть по-настоящему тронутым художником, политика которого вам отталкивает? Это то, на что я никогда не мог ответить адекватно. Скажем, неприязнь к Рихарду Вагнеру искажает феноменальную музыку, которую он писал? Я должен сказать нет - корреляция между звуковой сложностью и политическим мнением трудно классифицировать. В случае с Моранди ничто - даже сам художник - не может уменьшить чистую, тонкую красоту картин. Его политика, возможно, была бандитской, но его работа совсем не такая. Он служит напоминанием о том, что нельзя путать красоту с добродетелью или радикальное изобретение с моральной ценностью. Как однажды заметил сам Моранди: «Я считаю, что нет ничего более абстрактного, более нереального, чем то, что мы видим на самом деле». Он мог говорить о своем собственном мифе.

В 1927 году австралийская художница и писательница Маргарет Престон создала яркую гравюру на дереве: Родные цветы. В то время она жила в прибрежном пригороде Мосман в Сиднее, и фотографии, которые она сделала, отражают пышное полутропическое изобилие, в котором она оказалась. Расколотая ярко-оранжевая лапа балансирует на тарелке с бананами, а белая ваза наполнена буйным букетом австралийских цветов, включая щетку для бутылок, рождественские колокольчики и варата. Напечатанный на японской бумаге и раскрашенный вручную, он почти до боли яркий. Формы сглажены, а тональные контрасты усилены, упрощены и выжжены солнцем - это как снимок европейского модернизма в отпуске, наслаждаясь горячим антиподовым светом.

В 1923 году в эссе под названием «Почему я стал сторонником современного искусства» Престон жалобно писал: «Австралия - прекрасное место для размышлений. Галереи так хорошо огорожены. Театры и кинотеатры так хорошо огорожены […] Университеты так хорошо ограждены […] Традиции думают за вас, но небеса! Как скучно! »В то время австралийское академическое искусство оставалось в плену европейских традиций, для белых австралийцев было принято называть Великобританию« домом », даже если они никогда там не были, а искусство аборигенов представляло интерес только для антропологов. Однако между 1904 и 1919 годами Престон училась в Париже, погружалась в японские гравюры, смотрела картины Гогена и создавала гравюры у Роджера Фрая. Омега Мастерская, а также путешествия в Китай, острова Тихого океана и Ближний Восток. В своем стремлении к отечественному модернизму она снова и снова возвращалась к натюрмортам, сочетая изображения местных цветов с отголосками европейского модернизма, аборигенного и азиатского искусства, чтобы исследовать возможности языка, характерного для этого континента. Как она написала в Искусство и Австралия in 1929: ‘Why there are so many tables of still life in modern paintings is because they are really laboratory tables on which aesthetic problems can be isolated.’

Preston had her first major exhibitions in Sydney and Melbourne in 1925, with her friend and fellow artist, Thea Proctor. The shows were a hit. The effect of Preston’s seductive, vivid prints, all of which she framed in Chinese red lacquer, cannot be underestimated: the Australian public was brought around to the possibility that local flowers — in other words, local concerns — were as valid a subject as European imports. Proctor declared that Preston had ‘lifted the native flowers of the country from the rut of disgrace into which they had fallen’.

In later years, Preston became increasingly interested in Aboriginal art, quoting from it and reinterpreting it for her own ends, travelling to remote sites and incorporating indigenous motifs into her work. Her prints became more schematic, larger, less colourful she began to represent flowers not cut in vases but wild, in their natural state. As with all experiments, she wasn’t always successful, and her quotation of Aboriginal art remains contentious — some critics see it as, however well-meaning, a superficial appropriation of a complex language she had no right to employ, while others believe that it reflects a ground-breaking acknowledgement of indigenous art’s spiritual connection to the country.

In an article titled ‘What Do We Want for the New Year?’, published in Woman magazine in 1953, Preston wrote: ‘It has been said that modern art is international. But as long as human nature remains human every country has its national traits. It is important for a great nation to make a cultural stand […] My wish is to see a combined attempt by our artists to give us an art that no other country in the world can produce.’ When she died in 1963, at the age of 88, Preston had produced more than 400 prints. When I was growing up in Canberra, just about everyone I knew had a reproduction of a Preston print somewhere in the house. In fact, even now, I have a postcard of one of her still lifes stuck to my mirror.

In the summer of 1995, the young German photographer Wolfgang Tillmans took this photograph, summer still life. It’s a casual, familiar scene: a plate of cherries, strawberries, blueberries, grapes, a tomato and a peach a pile of magazines and a newspaper a lighter, a bottle with a twig stuck in it, a small pot plant, all balanced on a narrow, slightly grubby shelf by a window. The image is suffused with a soft, clear light and inflected with a faint weariness. I imagine that it was taken on a cool summer morning, perhaps with the kind of hangover that makes the world appear both dreamier and more vivid than usual.

Tillmans moved to London in the late 1980s and worked for fashion magazines, including i-D, Интервью а также The Face. His earliest photographs — the ones that made him famous — are seemingly casual studies of friends and lovers, often interacting in ways that might initially seem shocking — urinating on a chair, examining each other’s genitals, looking up a skirt, climbing a tree — but which are oddly tender. Tillmans is a great chronicler of desire in its myriad manifestations. He evokes the complexities of modern life with the lightest and most elegant of touches, even when he’s focusing on, say, the detritus of a kitchen, the aftermath of a party or the abstraction inherent in a roll of paper. It could be said that relationships are the lifeblood of his pictures — not just those between humans, but between the objects that humans rely upon, and what these objects say about the humans that use them. In an interview published in frieze in 2008, Tillmans declared: ‘I trust that, if I study something carefully enough, a greater essence or truth might be revealed without having a prescribed meaning.’ What this meaning might be is, of course, intentionally elusive: the simplest of actions — even eating fruit on a summer morning — can allude to things beyond our immediate understanding.

Tillmans has always been interested in mining exhausted genres because — conversely — of their seemingly unlimited capacity to move people. So it is with still life. In this, his work fits neatly into a long lineage of the genre’s sustained meditation on the culture of the table, and on the disarray that lurks at the heart of order. Fruit rots, a knife tumbles to the floor, the person who placed these things on this shelf has gone away or died.

Tillmans’ still lifes are, as all still lifes are, vivid snapshots of a certain moment in time. Take this image. Summer still life reveals a casual internationalism in the choices of reading matter: Интервью magazine, the German publication Stern а также Нью-Йорк Таймс, with its headline ‘Experiment in Green’ just visible. Yet, despite its initial relaxed air, the image is carefully composed: the bright red tomato spins at the centre of a cosmos of pinks, greens and deep purples. Life, the image seems to declare, might be made of real surfaces, but abstraction liberates and illuminates the innate enigma of its components.

Every still life is more than the sum of its parts: who is reading these papers, eating this fruit, staring out of these windows? What Tillmans has done here is not so very different from the unknown painter who picked up his or her brushes, and decided to paint a bowl of peaches on a wall in Herculaneum around 2,000 years ago. The image reiterates: life doesn’t stop at the edge of the picture. It’s where it begins.


British Museum explores domestic life in Pompeii

When Mount Vesuvius erupted in AD79, showering hot volcanic ash on to Pompeii and Herculaneum, it created a time capsule that lay undiscovered for almost 1,700 years.

Among the treasures that have emerged from the buried streets and houses is a fresco of the bakery owner Terentius Neo and his wife (see picture).

He grips a papyrus scroll with a wax seal. She holds a stylus to her chin and carries a writing tablet. Both gaze out from the painting with large, almond-shaped eyes.

The double portrait - the only one of its kind to have been found in the area - is one of the highlights of the British Museum's Life and Death in Pompeii and Herculaneum which opens this week.

Paul Roberts, the exhibition's curator, says the painting offers a unique insight into the life of Pompeii's citizens in the 1st century AD.

"The baker and his wife are shown as good Romans, the scroll and the stylus shows they are literate and cultured. But the most important thing is that they seem to be treated as equal partners.

"She is standing slightly forward of him: this is not a subservient image of a woman. In this business, she's the one holding the reckoning tablet."

After five years of preparation, Roberts has brought together 400 objects that focus on the lives - and deaths - of the citizens of Pompeii and Herculaneum. It is the first time the British Museum has dedicated a show to the two ill-fated cities.

Most of the works have come to London as a result of close collaboration with the Archaeological Superintendency of Naples and Pompeii. Many have never travelled outside Italy before.

With the focus on domestic - rather than city - life, the exhibition's more unusual items include kitchen perishables such as figs, dates, walnuts and onions. There is even a loaf of bread that had been baking in the oven as the city was engulfed by ash.

"I think visitors will be interested in the similarities between Roman domestic life and today," says Roberts.

"I want people to come away feeling that they got closer to the Romans here than they do by watching films that have gladiators."

Objects are displayed within rooms that recreate the lay-out of a typical house in Pompeii or Herculaneum. Items of furniture on view include a linen chest, a garden bench and a baby's crib that still rocks on its curved feet.

The exhibition includes casts from Pompeii of some of the victims of the eruption. About 1050 bodies have so far been discovered in Pompeii. The ash hardened around their corpses, which rotted away to leave body-shaped voids from which casts have been made.

One of the first objects in the exhibition is the plaster cast of a struggling dog. The final section includes a family of two adults and their two children huddled together in their last moments under the stairs of their villa.

The British Museum has put an age warning on some exhibits - such as a statue of the god Pan having sexual intercourse with a goat - to reflect the explicit imagery that was an accepted feature of ancient Roman culture.

What of the smallest room in the house? The exhibition features two bedroom potties but Roberts notes that the toilet was usually situated in the kitchen - a convenient disposal point for both food and human waste.

"They threw everything down the toilet. When we were photographing the houses for the catalogue I was amazed at how many times youɽ find the big cooking platforms right next to a depression which is all that remains of the hole that goes down to the septic tank."

In 2007 archaeologists in Herculaneum found a huge cesspit containing toilet and household waste that had been deposited in the decade before it was sealed by the eruption.

"There were 750 sacks of human waste, as you might expect," explains Roberts, "but what they didn't expect was the massive quantity of pots and pans and jewellery and terracotta statuettes.

"What I like about this exhibition is that as a museum of art and archaeology we have beautiful mosaics and the painting of the baker and his wife - but we also have the contents of a drain!"

Life and Death in Pompeii and Herculaneum opens at the British Museum on 28 March and runs until 29 September. Cinema broadcast Pompeii Live takes place on 18 and 19 June.


Pompeii's most amazing fresco returns to its former glory! Scientists use lasers to remove stains on stunning 2,000-year-old painting of a hunting scene in the garden of the House of the Ceii

  • he fresco depicts ornate hunting scenes with lions, leopards and a wild boar
  • It looked over a garden belonging to the magistrate Lucius Ceius Secundus
  • Like the rest of Pompeii, it was buried by the eruption of Mount Vesuvius in 79 AD
  • Poor maintenance since the house was uncovered in 1913󈝺 saw the fresco fade
  • However, it has been painstakingly restored and protected against rainwater A stunning fresco in the garden of Pompeii's Casa dei Ceii (House of the Ceii) has been painstakingly laser-cleaned and touched up with new paint by expert restorers.

The artwork — of hunting scenes — was painted in the so-called 'Third' or 'Ornate' Pompeii style, which was popular around 20󈝶 BC and featured vibrant colours.

In 79 AD, however, the house and the rest of the Pompeii was submerged beneath pyroclastic flows of searing gas and volcanic matter from the eruption of Vesuvius. Poor maintenance since the house was dug up in 1913󈝺 saw the hunting fresco and others deteriorate, particularly at the bottom, which is more vulnerable to humidity.

The main section of the fresco depicts a lion pursuing a bull, a leopard pouncing on sheep and a wild boar charging towards some deer.

A stunning fresco in the garden of Pompeii's Casa dei Ceii (House of the Ceii) has been painstakingly laser-cleaned and touched up with fresh paint by expert restorers

The main section of the fresco depicts a lion pursuing a bull, a leopard pouncing on sheep and a wild boar charging towards some deer. Pictured, the art is touched up near the bull's hooves

In 79 AD, the House of the Ceii and the rest of the Pompeii was submerged beneath pyroclastic flows of searing gas and volcanic matter from the eruption of Vesuvius — as depicted in the English painter John Martin's 1821 work 'Destruction of Pompeii and Herculaneum', pictured

Frescos commonly adorned the perimeter walls of Pompeiian gardens and were intended to evoke an atmosphere — often one of tranquillity — while also creating the illusion that the area was larger than in reality, much as we use mirrors today.

'What makes this fresco so special is that it is complete — something which is rare for such a large fresco at Pompeii,' site director Massimo Osanna told The Times.

Alongside the hunting imagery of the now restored fresco, with its wild animals, the side walls of the garden featured Egyptian-themed landscapes, with beasts of the Nile delta like crocodiles and hippopotamuses hunted by with African pygmies and a ship shown transporting amphorae.

Experts believe the owner of the town house, or 'domus', had a connection or fascination with Egypt and potentially also the cult of Isis, that of the wife of the Egyptian god of the afterlife, which was popular in Pompeii in its final years. In fact, the residence has been associated with one Lucius Ceius Secundus, a magistrate — based on an electoral inscription found on the building's exterior — and it is after him that it takes its name, 'Casa dei Ceii'.

The property, which stood for some two centuries before the eruption, is one of the rare examples of a domus in the somewhat severe style of the late Samnite period of the second century BC.

The house's front façade sports an imitation 'opus quadratum' (cut stone block) design in white stucco and a high entranceway set between two rectangular pilasters capped with cube-shaped capitals.

Casa dei Ceii's footprint covered some 3,100 square feet (288 sq. m) and contained an unusual tetrastyle (four-pillared) atrium and a rainwater-collecting impluvium basin in a Grecian style, one rare for Pompeii, lined with cut amphora fragments.

The artwork — of hunting scenes — was painted in the so-called 'Third' or 'Ornate' Pompeii style, which was popular around 20󈝶 BC and featured vibrant colours, as pictured

The property, which stood for some two centuries before the eruption, is one of the rare examples of a domus in the somewhat severe style of the late Samnite period of the second century BC. The house's front façade sports an imitation 'opus quadratum' (cut stone block) design in white stucco and a high entranceway set between two rectangular pilasters capped with cube-shaped capitals, as pictured

Other rooms found inside the property included a triclinium, where lunch would have been taken, two storage rooms, a tablinum which the master of the house would have used as an office and reception room and a kitchen with latrine.

An upper floor, which partially collapsed during the eruption, would have been used by the household servants and appeared to be in the process of being renovated or constructed at the time of the catastrophe.

The garden on whose back wall was adorned by the hunting fresco, meanwhile, featured a canal and two fountains, one of a nymph and the other a sphynx.

During the excavation of the townhouse, archaeologists found the skeleton of a turtle preserved in the garden.

The recent restoration work saw the paint film of much of the fresco — particularly a section featuring botanical decoration — carefully cleaned with a special laser. Experts also carefully retouched the paint in areas of the fresco that had been abraded over time, as well as instigating protective measures to help prevent the future infiltration of ra


Opening hours Herculaneum 2021 (excavation)

In summer (April to October) from 8:30 to 19:30. In winter from 8:30 to 17. These opening hours of the Herculaneum apply to every day of the week. Only 2 days a year are closed (1st Christmas Day and New Year’s Day). There is often a lot going on, it is worth buying tickets in advance on the Internet.

>>> On this link you can find online-tickets for the Herculaneum

Arrival by public transport Herculaneum

The Circumvesuviana narrow-gauge railway stop is about 400 metres from the entrance. The station is called “Ercolano Scavi”. This means “Herculaneum excavation”. Two lines run here: The line from Naples to Sorrento and the line from Naples via Pompeii to Pomigliano. From Naples there are about 3 trains per hour, from Sorrento 2 trains per hour and from Pompeii city train station one connection. The other station of Pompeii “Skavi” is located on the line to Sorrento and has about 2 connections per hour to the Herculaneum.

From the station “Ercolano Scavi” go straight down the street. After 400 meters you are at the entrance of the excavation of Herculaneum. The road is also signposted.

Our other articles about Pompeii and Herculaneum

Pompeii general info (like overview, directions, admission fees, opening hours…)

Pompeii baths (thermal baths)

Theaters Pompeii (the 3 big theaters)

Bus tours Pompeii (from nearby resorts, Naples and Rome)

Corpses Pompeii: All about Corpses and Dead in Pompeii and Herculaneum


Hello Perdix, You Old Friend

Today Narayan Nayar and I took the train to Pompeii to look at a fresco that features Perdix, a Roman workbench and some adult content suitable for Cinemax. (“Oh my, I don’t think I have enough money for this pizza.” Cue the brown chicken, brown cow soundtrack.)

As we got off the train, my heart was heavy with dread. Yesterday, our visit to Herculaneum blew my mind but was disappointing in one small way: The House of the Deer was closed that day to visitors. The House of Deer had once housed a woodworking fresco that has since been removed and has since deteriorated. So all I was going to get to see was the hole in the wall where the fresco had been.

So as I got off the train this morning, I fretted: What if the House of the Vettii is closed? After a not-quick lunch that involved togas (don’t ask), Narayan and I made a beeline to the House of the Vettii. And as I feared, its gate was locked. The structure is in the midst of a renovation and was covered in tarps and scaffolding.

I peered through the gate and saw someone moving down a hallway inside. He didn’t look like a worker. He looked like a tourist. Then I saw another tourist.

We quickly figured out that a side entrance was open and they were allowing tourists into a small section of the house. I rushed into that entryway and waved hello to Priapus. After years of studying the map of this house I knew exactly where to go. I scooted past a gaggle of kids on spring break and into the room with the fresco I’ve been eager to see for too long.

It’s a miracle this fresco has survived – not just the eruption of Vesuvius but also the looters and custodian that decided (on behalf of Charles III) which images to keep and which ones to destroy. (Why destroy a fresco? According to the Archaeological Museum of Naples, many were destroyed so they didn’t get into the hands of “foreigners or imitators.”) The royal collection preferred figurative scenes or ones with winged figures. For some reason, this one stayed in place and has managed to survive.

Narayan spent the next 40 minutes photographing the fresco in detail. The photos in this blog entry are mere snapshots I took with my Canon G15. His images will be spectacular.

OK, enough babbling. I need some pizza. Thank goodness they’re only about 4 Euro here.


Смотреть видео: Как подвабить царя оленей - How to lure the kings deer - wildlife