Музей Дж. Пола Гетти

Музей Дж. Пола Гетти


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Музей Дж. Пола Гетти в Малибу, Калифорния, расположен на вершине холма в горах Санта-Моника, недалеко от шоссе Сан-Диего. Он считал искусство просветляющим воздействием; его взгляд привел к созданию музея. Музей Гетти, впервые построенный в 1971 году, представляет коллекцию Гетти западного искусства от средневековья до наших дней на фоне драматической архитектуры, тихих садов и захватывающих видов на окрестности Лос-Анджелеса - Тихий океан, горы Сан-Габриэль и обширная сеть улиц города. Его цель - сделать коллекцию привлекательной и значимой для посетителей, представив и интерпретируя владения. Коллекции включают европейские картины, рисунки, рукописи, скульптуру и декоративное искусство, а также европейские и американские фотографии. Музей начал свои коллекции картин в 1930-х годах под проницательным руководством самого Гетти. В обширной коллекции представлены картины эпохи Возрождения Северной Италии, живопись в стиле барокко из Италии и Фландрии, голландские работы 17-го века и французские работы 18-го и 19-го веков. Департамент фотографии поддерживает девять коллекций и несколько других фотографий, приобретенных в 1984 году. Рисунки Поля Гогена, Винсента Ван Гога и, совсем недавно, редкого рисунка Микеланджело, добавляют музею определенного трепета. Коллекции европейской скульптуры Пола Гетти включают блестящие произведения эпохи итальянского Возрождения, Франции и британской неоклассической эпохи. J. закрепил за музеем славу. Музейный трест Гетти создал еще одну культурную достопримечательность, открыв J. как образовательный центр и музей. , Вилла Гетти посвящена изучению искусства и культуры Древней Греции и Рима. Сохранение является основной обязанностью Музея Дж. Поля Гетти и важным элементом миссии музея.


* Глиняная посуда с непрозрачной глазурью из оксида олова, обычно богато декорированная.


Центр Гетти

В Центр Геттив Лос-Анджелесе, Калифорния, является кампусом Музея Гетти и других программ Фонда Гетти. Центр стоимостью 1,3 миллиарда долларов был открыт для публики 16 декабря 1997 года [2] и хорошо известен своей архитектурой, садами и видами на Лос-Анджелес. Центр расположен на вершине холма, соединенный с гаражом для посетителей у подножия холма трехвагонным транспортным средством на воздушной подушке с тросом. [3]

Расположенный в районе Брентвуд в Лос-Анджелесе, Центр является одним из двух мест расположения музея Дж. Пола Гетти и ежегодно привлекает 1,8 миллиона посетителей. (Другое место - вилла Гетти в районе Пасифик Палисейдс в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.) В центральном отделении музея представлены европейские картины, рисунки, иллюминированные рукописи, скульптура и декоративно-прикладное искусство и фотографии 1830-х годов до 20-го века. по сегодняшний день со всего мира. [4] [5] Кроме того, коллекция музея в Центре включает скульптуры под открытым небом, выставленные на террасах и в садах, а также большой Центральный сад, спроектированный Робертом Ирвином. Среди представленных произведений искусства - картина Винсента Ван Гога. Ирисы.

В кампусе, спроектированном архитектором Ричардом Мейером, также находятся Исследовательский институт Гетти (GRI), Институт охраны природы Гетти, Фонд Гетти и Фонд Дж. Пола Гетти. В проекте центра предусмотрены специальные меры для решения проблем, связанных с землетрясениями и пожарами.


Личная жизнь Дж. Пола Гетти

Этот успех привлек внимание, и это внимание, особенно женское, и Гетти в общей сложности трижды выходили замуж за одни только 1920-е годы. Его отец, благодаря которому он достиг успеха в бизнесе, был сильно огорчен развратной натурой сына и оставил ему лишь часть своего состояния в 10 миллионов долларов после его смерти. Впрочем, это не имело значения. К тому времени Гетти уже был мультимиллионером, затмевая даже своего отца.

Однако незадолго до своей смерти в 1930 году отец Гетти Джордж сказал, что безрассудство, непостоянство и одержимость его сыном деньгами в конечном итоге приведут к разрушению компании, которую они создали вместе. И все же благодаря умным инвестициям и деловым навыкам молодой Гетти процветал. Он превосходно пережил финансовый шторм Великой депрессии и приобрел нефтяные компании от Tidewater Oil до Pacific Western Oil Corporation & # 8211, тем самым увеличивая и расширяя свой бизнес, пока он не охватил не только Америку, но и весь мир.


Нефтяная Империя

По окончании учебы Гетти вернулся в Соединенные Штаты и начал работать бездомным, покупая и продавая договоры аренды нефти в Оклахоме. К 1916 году Гетти заработал свой первый миллион долларов на успешной скважине и вместе со своим отцом учредил Getty Oil Company. С его новым состоянием он ненадолго ушел в досуг в Лос-Анджелесе, прежде чем вернуться в нефтяной бизнес в 1919 году.

В течение 1920-х годов Гетти и его отец продолжали накапливать богатство за счет бурения скважин и брокерских услуг по аренде. Когда Джордж скончался в 1930 году, Гетти получил наследство в размере 500000 долларов и стал президентом нефтяной компании своего отца и апосса, хотя его мать сохранила контрольный пакет акций.

На своей новой должности Гетти намеревался реструктурировать и расширить компанию до уровня самодостаточного бизнеса, который занимался всем - от бурения и переработки до транспортировки и продажи нефти. Он начал покупать и брать под свой контроль другие компании, включая & # xA0Pacific Western Oil, Skelly Oil и Tidewater Oil & # xA0. После Второй мировой войны Гетти также рискнул, вложив миллионы в `` нейтральную зону '' между Кувейтом и Саудовской Аравией. Его ставка окупилась в 1953 году, когда нефть была добыта и начала поступать со скоростью 16 миллионов баррелей в год.

В 1957 г. Удача журнал назвал Гетти самым богатым человеком в мире. Десять лет спустя он объединил свои деловые интересы в Getty Oil Company, и к середине 1970-х, по оценкам, он сколотил личное состояние в размере от 2 до 4 миллиардов долларов.


Вилла Дж. Пола Гетти построена, но никогда не видела

По иронии судьбы, Дж. Пол Гетти никогда не видел Виллу Гетти. Он умер через два года после того, как его музей открылся для публики в январе 1974 года в новом здании, построенном по образцу древнеримского роскошного дома. Лишь после смерти Гетти в июне 1976 года он вернулся из своего имения в Англии на свое «ранчо» на Тихоокеанском побережье: он похоронен там, на краю владения, на частном участке с видом на океан, рядом со своими старшими и старшими детьми. младшие сыновья, Джордж и Тимофей, оба из которых умерли раньше него.

После ремонта и переустановки галерей вилла Гетти открывает новую главу в своей истории. Хотя Гетти никогда не видел своего творения, история о том, как он построил виллу и собрала свою коллекцию, пронизывает галереи даже сегодня. Набор обновленных комнат - галереи с 105 по 108 - разделяет эту историю. Показывая старинные произведения искусства, купленные Гетти вместе с архивными документами, новые экспозиции помещают объекты в их культурный контекст и проливают свет на личные отношения Гетти с его музеем и местом последнего упокоения.

От ранчо до старинной виллы

Гетти купил ранчо площадью 64 акра, которое когда-то было частью ранчо Бока-де-Санта-Моника, мексиканского земельного гранта в начале девятнадцатого века площадью 6 656 акров, сразу после окончания Второй мировой войны, намереваясь сделать его местом отдыха на выходные, где его пятая жена Теодора («Тедди») умела кататься на лошадях и выставляла свою растущую коллекцию произведений искусства.

Ранчо до ремонта, между 1920 и 1945 годами. Исследовательский институт Гетти, институциональные архивы

Он хорошо знал местность, так как у него уже был небольшой дом на пляже в соседней Санта-Монике, всего в нескольких шагах от обширного комплекса, который его друг и конкурирующий коллекционер Уильям Рэндольф Херст построил для актрисы Мэрион Дэвис. (Поместье Дэвис теперь является пляжным домом Анненберга, а пляжный домик Гетти был заменен большим современным комплексом кондоминиумов, 270 Palisades Beach Road.)

После покупки недвижимости Гетти реконструировал низкопрофильный «Ранчо», добавив второй этаж и несколько деталей в испанском стиле. Хотя Гетти навсегда покинул Соединенные Штаты в 1951 году, оставив Тедди и их сына Тимми, он продолжал заполнять Ранчо произведениями искусства, а в 1954 году он открыл его для публики как Музей Дж. Пола Гетти.

Большая галерея древностей в доме ранчо Гетти в период с 1957 по 1974 год. В дальнем конце галереи возвышается Лансдаун Геркулес. Исследовательский институт Гетти, институциональные архивы

Со временем он расширил здание, чтобы разместить свою растущую коллекцию, и к концу 1960-х годов ее нужно было расширить. Архитекторы Гетти разработали несколько предложений в различных стилях - испанском, европейском и современном, - все из которых он отверг. В конце концов, он решил построить копию древней Виллы Папири в Геркуленее, которая была погребена в результате извержения Везувия в 79 году нашей эры.

Встреча древней и современной истории

В нескольких недавно переустановленных галереях на первом этаже виллы Гетти представлены объекты, которые говорят как о своей древней, так и о современной истории. В галерее 105, известной как Зал цветных мраморов, доминирует мраморная статуя Венеры. Гетти охотно признался, что ему «нравилось общество женщин», и когда в 1974 году Вилла открылась впервые, целая галерея была посвящена изображениям богини любви.

Поэтому при планировании новой экспозиции мы решили, что первая из двух встроенных витрин в этой галерее будет посвящена изображениям Венеры в различных средах: терракоте, мраморе и бронзе. Самый маленький предмет в футляре, тонко обработанная бронзовая голова богини, когда-то прикрепленная к более крупной фигуре, примечательна тем, что сохранила золотую серьгу с единственной жемчужиной. Жемчуг высоко ценился в древности, как и сегодня, и стоил очень дорого.

Самый крупный объект в корпусе, терракотовая группа Женщина, лежащая на кушетке с амурами, еще более интригующе. Это первая «старина», которую купила Гетти. В 1939 году, когда он был в Риме, ухаживая за Тедди, который учился на оперного певца, он сделал несколько заочных ставок на продаваемые предметы из аристократической коллекции Лондона. Его особенно интересовали гобелены, но на той же странице каталога аукциона, что и некоторые из наиболее желаемых им предметов, была указана эта терракота. Он был связан с аналогичными, найденными на греческом городище Танагра в конце девятнадцатого века. Эти произведения искусства были популярны среди коллекционеров за живость их композиций и понимание, которое они, казалось, вносили в повседневную жизнь древнего мира.

Статуэтка женщины, лежащей на кушетке с амурами, 1875–90, вероятно, сделано в Греции. Терракота, пигмент и золото, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 78.AK.38. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

Фрагмент личной копии Дж. Пола Гетти из аукционного каталога Sotheby’s предметов из Cam House, Лондон. Исследовательский институт Гетти

Как и во всех своих покупках, Гетти был хитрым, стремясь получить максимально возможную цену. Но его аннотированный аукционный каталог, вновь обнаруженный в собраниях библиотеки Исследовательского института Гетти бывшим помощником куратора музея Гетти Лорой Марест-Каффи (ныне хранительницей греческого и римского искусства Корнелиуса и Эмили Вермел в Музее изящных искусств в Бостоне), показывает, что Сам Гетти сомневался в ее подлинности. На полях под записью он написал: «Современный?» Терракота принадлежала почтенной английской коллекции, поэтому Гетти был готов рискнуть. Его низкая ставка в 10 фунтов стерлингов преобладала, но его первая древность оказалась вовсе не древностью.

История на дисплее

Эта и другие истории о Дж. Поле Гетти и росте его коллекций представлены на инновационной витрине в галерее 107. Основываясь на продолжающейся инсталляции Дж. Пол Гетти: жизнь и наследие в Центре Гетти эта интерактивная программа, установленная рядом с некоторыми из любимых древних скульптур Гетти, позволяет посетителям исследовать сотни архивных фотографий, карт, графиков и других ресурсов, касающихся семьи, бизнеса, путешествий Гетти, развития его коллекций, решения построить виллу и прочное наследие.

The Lansdowne Hercules, около 125 г. н. Э., Роман. Мрамор, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 70.AA.109. Изображен в Храме Геркулеса (Галерея 108).

Галерея 108, известная как Храм Геркулеса, тем временем выглядит почти так же, как и до переустановки, но теперь она имеет улучшенное освещение и меньший сейсмический изолятор под знаменитой статуей Лансдауна Геркулеса. Это изменение позволяет большему количеству великолепного полихромного мраморного пола показать, что это копия одной из первых находок колодцев, обнаруживших Виллу Папири в 1750 году. Древняя вилла сама по себе является центром недавно установленного кубикула недалеко от Атриума. , Gallery 101C, и летом 2019 года он станет предметом международной кредитной выставки.

Хотя Гетти никогда не посещал его виллу, его наследие продолжает жить. От его архитектурного выбора до предметов, которые он собирал, его история двадцатого века сочетается с историей древних времен, создавая истории, которые захватывают нас даже сегодня.


Виртуальный тур по музею Гетти

& # 8220 Гранд-канал в Венеции от Палаццо Флангини до Кампо Сан-Маркуола & # 8221 - Каналетто

& # 8220 Гранд-канал в Венеции от Палаццо Флангини до Кампо Сан-Маркуола & # 8221 Каналетто был написан в 1738 году.

Эта композиция называется ведута (по-итальянски & # 8220view & # 8221), что означает очень детализированное, обычно крупномасштабное изображение городского пейзажа или какой-либо другой перспективы.

На этой картине-вендуте изображены верховья Большого канала в Венеции, Италия, недалеко от входа в канал Каннареджо. Картины Вендуты были популярны среди богатых туристов в Венеции в середине 1700-х годов.

& # 8220Современный Рим & # 8211 Campo Vaccino & # 8221, автор J.M.W. Тернер

& # 8220Современный Рим - Кампо Вакчино & # 8221, автор J.M.W. Тернер представляет собой пейзаж нераскопанного Римского Форума, который до сих пор называют Кампо Вакчино, что означает «пастбище коров», мерцающий в туманном свете.

Спустя десять лет после своего последнего путешествия в Рим Тернер представил Рим по своей памяти. Церкви и древние памятники на Римском форуме и вокруг него растворяются в ярких красках.

Слева поднимается свет луны. Солнце садится за Капитолийским холмом справа.

& # 8220 Ирисы & # 8221 - Винсент Ван Гог

& # 8220 Ирисы & # 8221 - одна из нескольких картин Винсента Ван Гога & # 8216 Ирисы & # 8217 и одна из серии картин, которые он написал в психиатрической больнице в Сен-Реми, Франция, в последний год перед своей смертью.

В 1889 году после нескольких эпизодов членовредительства и госпитализации Ван Гог решил поступить в приют. Там за последний год перед смертью он создал более 120 картин.

Вскоре после поступления в приют Ван Гог создал «Ирисы», работая с натуры в саду приюта. Он называл живопись «громоотводом моей болезни», потому что чувствовал, что может удержать себя от сумасшествия, продолжая рисовать.

& # 8220 После ванны, женщина вытирает спину & ​​# 8221 Эдгар Дега

& # 8220 После ванны, женщина вытирает спину & ​​# 8221 Эдгара Дега - это изображение купальщицы, стоящей на коленях на стуле, покрытом полотенцами, когда она выгибает спину над спинкой стула, как будто хочет что-то поднять правой рукой. .

Этот принт является частью серии фотографий, гравюр, рисунков, предварительных набросков пастелью и маслом Дега того периода, на которых изображены женщины во время купания.

Дега часто использовал эскизы и фотографию в качестве предварительного шага к изучению света и композиции для своих картин. Эта работа является частью серии, в которой женщины, как в этом примере, изображены в неудобных и неестественных позах.

Дега сказал, что намеревался создать у зрителя ощущение & # 8220, как если бы вы смотрели в замочную скважину & ​​# 8221.

& # 8220Wheatstacks, Snow Effect, Morning & # 8221 - Клод Моне

& # 8220Wheatstacks, Snow Effect, Morning & # 8221 Клода Моне является частью серии стопок собранной пшеницы. Серия состоит из двадцати пяти холстов, которые Моне начал в конце лета 1890 года, и хотя Моне также создавал более ранние картины с использованием того же предмета стека.

Сериал импрессионистов известен тем, что Моне повторил одну и ту же тему, чтобы показать разный свет и атмосферу в разное время дня, в разные сезоны и при разной погоде.

Серия «Стога сена» Моне - одна из первых, в которых он полагался на повторение объекта, чтобы проиллюстрировать тонкую разницу в восприятии цвета в зависимости от времени суток, времен года и погоды.

& # 8220Портрет алебардщика & # 8221 - Понтормо

& # 8220Портрет Алебардера & # 8221 - Понтормо изображает молодого человека, стоящего перед крепостной стеной с алебардой в руках.

Алебарда - это двуручное древковое оружие, которое широко использовалось в 14-15 веках, и войска, которые использовали это оружие, назывались алебардщиками.

Личность человека не является абсолютной, однако флорентийские записи отмечают, что во время осады Флоренции в 1528 году художник Понтормо написал портрет молодого дворянина по имени Франческо Гварди в образе солдата.

& # 8220Весна & # 8221 - Эдуард Мане

Весна Эдуара Мане изображает парижскую актрису Жанну ДеМарси в цветочном платье с зонтиком и чепчиком на фоне пышной листвы и голубого неба как воплощение весны.

Она изображена уравновешенной и смотрящей прямо перед собой, картина отстраненности, хотя она, кажется, полностью осознает наш взгляд.

Эта картина была первой из запланированного квартета аллегорических работ с использованием шикарных парижанок для изображения четырех времен года. Идея заключалась в том, чтобы создать серию сезонов, олицетворяющих современные идеалы женщины, моды и красоты.

Сериал так и не был закончен, и Мане умер через год после завершения только второй части серии, Осени.

Греческий Курос (Музей Гетти)

Этот греческий Курос в музее Гетти представляет собой мраморную статую в натуральную величину безбородого обнаженного юноши в продвигающейся позе.

Современный термин kouros (множественное число kouroi) дается отдельно стоящим древнегреческим скульптурам, которые впервые появляются в архаический период в Древней Греции и представляют обнаженных молодых мужчин. На древнегреческом языке курос означает «молодой», мальчик, особенно знатного происхождения ».

Такие статуи встречаются во всем грекоязычном мире. Большинство из них было найдено в святилищах Аполлона.

& # 8220 Весна & # 8221 - Лоуренс Альма-Тадема

& # 8220Spring & # 8221 Лоуренса Альма-Тадема изображает фестиваль Cerealia на классической римской улице с террасами, выложенными мрамором. В древнеримской религии Цереалия была главным праздником богини зерна Цереры.

Он проводился в течение семи дней с середины до конца апреля, и на этой картине изображена процессия женщин и детей, спускающихся по мраморной лестнице с яркими цветами в руках.

Ликующие зрители заполняют все обзорные площадки классических римских зданий.

Любопытство Тадема к древнему миру Греции и Рима было ненасытным, и его знания воплощены в этой картине через архитектурные детали, одежду, скульптуру и украшения, основанные на римских оригиналах.

& # 8220Портрет мужчины & # 8221 - Паоло Веронезе

& # 8220Портрет мужчины & # 8221 Паоло Веронезе изображает человека, опирающегося на основание конструкции с колоннами. В нише между колоннами находится мраморная скульптура задрапированной фигуры, из которой видна только нижняя часть.

Личность этого человека остается загадкой, однако подсказки на картине могут относиться к его профессии, возможно, к скульптору или архитектору.

& # 8220Euclid & # 8217 - Хусепе де Рибера

Евклид работы Джузепе де Рибера изображает «отца геометрии», выходящего из тени за столом. Представлен как торжественный ученый, демонстрирующий свою потрепанную книгу с различными геометрическими фигурами и псевдогреческими персонажами.

Де Рибера сосредоточил все свои навыки на деталях лица мужчины, от растрепанной бороды до складок на лбу и складок век над его темными глазами.

Изображался в виде человека в рваной одежде и с почерневшими грязными пальцами, чтобы подчеркнуть преданность Евклида интеллектуальным, а не материальным занятиям.

& # 8220 Венера и Адонис & # 8221 Тициан

& # 8220Venus and Adonis & # 8221 Тициана изображает Венеру, пытающуюся удержать своего любовника Адониса от отправления на охоту. Его собаки напрягаются на поводках, вторя его нетерпению, как подробно описано в «Метаморфозах» Овидия.

Амур спит на заднем плане, символ сопротивления Адониса объятиям Венеры. История повествует о том, как однажды утром, когда Венера улетает в своей колеснице, носимой по небу, собаки Адониса поднимают кабана, который бросается на него.

Венера слышит стоны Адониса, спрыгивает со своей колесницы и находит его умирающим. Из крови своего возлюбленного она создала хрупкий цветок, лепестки которого развевались на ветру, который по-гречески называется анемон & # 8217 windflower & # 8217.

& # 8220Портрет маркизы де Мирамон & # 8221 - Джеймс Тиссо

«Портрет маркизы де Мирамон» Джеймса Тиссо изображает маркизу в розовом пеньюаре с оборками. На шее у нее черный кружевной шарф и серебряный крест.

Позади нее модная японская ширма с изображением журавлей на золотом фоне, а на каминной полке - несколько японских керамических изделий.

Табурет Людовика XVI и терракотовый бюст говорят о ее аристократическом статусе. Эта картина выставлялась на Всемирной выставке в Париже. Тереза ​​Фейян (1836-1912) унаследовала состояние от отца и в 1860 году вышла замуж за Рене де Кассань де Бофор, маркиза де Мирамона.

& # 8220Рю Моснье, одетая в флаги & # 8221 - Эдуард Мане

& # 8220Рю Моснье, одетая с флагами & # 8221 Эдуара Мане изображает парижскую улицу, украшенную французскими флагами в честь первого национального праздника, который произошел 30 июня 1878 года. Он назывался & # 8220Fête de la Paix, & # 8221 или на английском языке, & # 8220Celebration of Peace. & # 8221

Улицу Моснье, которая сейчас называется Рю де Берн, можно было увидеть из студии Мане на улице Сен-Петерсбург, 4. На этом полотне изображен вид из окна второго этажа с трехцветными флагами, свисающими со зданий вдоль дороги.

Мане запечатлел праздничный день в верхней половине композиции с патриотической гармонией красного, белого и синего цветов французского флага, развевающегося на улице.

В нижней половине композиции - одноногий мужчина на костылях, возможно, ветеран, раненный во франко-прусской войне. Также внизу мужчина несет лестницу, а слева - забор, удерживающий завалы от строительных работ.

Городская улица вызвала интерес художников-импрессионистов и художников-модернистов. Мане отразил трансформацию и рост индустриальной эпохи и то, как она повлияла на общество.


Древнее происхождение цветочной короны

Цветочная корона сегодня является модным аксессуаром, который ассоциируется с гуляками Coachella и невестами в стиле бохо, но это не новость: ношение листьев и цветов в качестве головного убора имеет богатую историю, восходящую к древнему классическому миру.

С древних времен круглая или подковообразная форма венка была символом славы, силы и вечности. В Древней Греции и Риме многие короны делались из шерсти и листвы, таких как листья мирта и плюща, и украшались разными цветами, которые во времени вызывали различные ассоциации.

Древние боги и богини часто изображались в искусстве и литературе в специальных растениях, посвященных им. У Овидия Метаморфозы, прекрасной нимфе Дафне удается избежать своего преследователя, бога Аполлона, превратившись в лавровое дерево. Аполлон отрезает ветку от дерева и восклицает: «Хотя ты не можешь быть моей женой, но по крайней мере будешь моим деревом, я всегда буду носить тебя на своих волосах, на моем колчане, о Лорел». (557–559). Он держит свое слово и поэтому часто изображается в лавровом венке как символ его любви к Дафне. Аполлон - бог поэтов и писателей, и термин «поэт-лауреат», который мы используем сегодня, происходит от этого мифа.

Листья белого тополя были связаны с Гераклом, который, согласно традиции, привез это дерево в Олимпию с северо-запада Греции.

Геркулес в венке. Статуя Геракла, 100–199 гг. Н. Э., Римский. Мрамор с полихромией, высота 46 дюймов. Музей Дж. Пола Гетти, 73.AA.43.1. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

Древние греки впервые ввели корону как почетную награду победителям в спортивных, военных, поэтических и музыкальных состязаниях. Например, каждые четыре года в Дельфах проводились Пифийские игры в честь Аполлона, а победители традиционно получали венок из лаврового дерева. Лавровое дерево произрастает в Средиземноморском регионе и является важным символом победы, достижений и статуса.

Оливковые венки также были вручены победителям спортивных соревнований, таким как обнаженный молодой человек, показанный ниже. Дикие оливковые деревья росли в Олимпии, где проходили Олимпийские игры, и оливковые венки были вручены в качестве призов победителям на этих играх. Он мог быть бегуном, борцом или штангистом, который венчает себя или снимает венок, чтобы посвятить его богам в знак благочестия.

Молодой человек венчает себя оливковым венком. Статуя победоносного юноши, 300–100 гг. До н. Э., Греческая, бронза с инкрустированными медными сосками, высота 59 5/8 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 77.AB.30. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

Символика лаврового венка сохранилась и по сей день. Например, он занимал видное место в дизайне медалей Олимпийских игр в Рио-де-Жанейро в 2016 году.

Древние римляне продолжали традицию короны в награду за победу. Они одевали своих лидеров и военнослужащих в короны из лавра, дуба или мирта. Травяная крона или Corona obsidionalis была высшей военной наградой, присуждаемой осажденной армией освободившему их генералу. Он был сделан из травы, сорняков и полевых цветов, собранных на том месте, где армия подверглась нападению.

Профиль мужчины в лавровом венке, указывающий на то, что он, вероятно, имел высокое воинское звание. Камея, 1700–1800-е гг., Европейская. Музей Дж. Пола Гетти, 83.AL.257.15, завещание Эли Джедды. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

Цветочные короны также носили на празднествах и торжествах, как и сегодня, когда они были обычными на таких мероприятиях, как жертвоприношения богам и праздники. В изображениях греческих мужчин на симпозиумах (аристократических застольях) мы часто видим фигуры в венках. Они считали, что крепкая повязка на голову может облегчить их пьянство, хотя сегодняшние посетители фестивалей могли не согласиться. Первоначально они были сделаны из шерсти, но позже были украшены цветами и лепестками роз, фиалок, мирта и петрушки.

Чаша для вина с юношей и мужчиной, 450–440 гг. До н. Э., Приписывается художнику Эуайону. Терракота, 15 9/16 дюйма диам. Музей Дж. Пола Гетти, 86. AE.682. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

В Риме фестиваль Флоралия проводился в честь Флоры, богини цветов, растений и весны, поэтому неудивительно, что головной убор из цветочных лепестков и переплетенных лоз был обязательным аксессуаром. На этом изображении статуи Флоры она изображена с цветочной короной в руке.

Статуэтка Фарнезе Флора, 1871, Уильям Чафферс. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 84.XB.935.23.3.83. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

В Европе этот религиозный праздник позже стал отмечаться как светский Первомай. В живописи Алма-Тадемы Весна, художник представляет этот праздник и традицию отправлять детей собирать цветы в первый день мая. Шествие женщин и детей носит красочные цветочные короны и несут корзины с цветами. Алма-Тадема был одержим древним миром и даже устроил этот викторианский праздник в воображаемом Древнем Риме.

Шествие женщин и детей в ярких цветочных коронах. Весна, 1894, Лоуренс Альма-Тадема. Масло, холст, 70 1/4 × 31 5/8 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

Дальнейшее чтение

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

Следуй за Солнцем

Услуги

& copyNews Group Newspapers Limited в Англии № 679215 Зарегистрированный офис: 1 London Bridge Street, London, SE1 9GF. «The Sun», «Sun», «Sun Online» являются зарегистрированными товарными знаками или торговыми наименованиями News Group Newspapers Limited. Эта услуга предоставляется в соответствии со Стандартными положениями и условиями News Group Newspapers 'Limited в соответствии с нашей Политикой конфиденциальности и использования файлов cookie. Чтобы узнать о лицензии на воспроизведение материала, посетите наш сайт Syndication. Просмотрите наш онлайн-пакет для прессы. По другим вопросам, свяжитесь с нами. Чтобы увидеть весь контент на The Sun, используйте карту сайта. Веб-сайт Sun регулируется Независимой организацией по стандартам печати (IPSO).


Press Release

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Nature, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Музей Дж. Пола Гетти collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Press Release

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Музей Дж. Пола Гетти collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Смотреть видео: Самый Богатейший и Скупой Американский Миллиардер Жан Пол Гетти. История Клана Гетти.


Комментарии:

  1. Aragar

    Я имею в виду, вы разрешаете ошибку. Введите, мы обсудим это. Напишите мне в личку.

  2. Ichiro

    Полностью согласен с ней. Мне нравится эта идея, я полностью согласен с вами.

  3. Moyo

    ЗДОРОВАЯ ЖИЗНЬ!



Напишите сообщение